НРКмания

2. Mellerio dits Meller Kakochnik Inspiration Tiara and Edwardian Jewelry from 1890.



3. A BELLE EPOQUE DIAMOND, PEARL, PLATINUM AND GOLD BROOCH. circa 1910.



4. Подвеска периода короля Эдуарда. Франция, около 1910, платина, алмазы, жемчуг.



5. Platinum, White Gold, Diamond, Pearl and Nephrite Pendant-Brooch c. 1910.



6. Edwardian platinum, diamond, and sapphire necklace.



7. Necklace from La Belle Époque.



8. An Edwardian diamond and ruby brooch/pendant, circa 1905.



9. Edwardian Jewelry: 1901-1915 - Antique Jewelry University.
10. 1910.

3. 1908 г.
4. 1908 г.



5. 1909 г.
6. Парижская артистка кабаре Габи Десли в платье от Paquin. 1910-е гг.




7. 1910-е гг.
8. 1910-е гг.




9. 1908-1914 гг.
10. 1914 г.

Room with a View, 1895. Private collection.




Picnic under the Trees, 1896. Private collection/




Укротительницы железного коня. 1901.




A Supper Party, 1903.




Rédemption, 1905.




After the Bath, 1905.




A Warm Welcome. 1905.




View Of Venice (The Dogana), 1907.




Venetian Market Scene, 1907.




Rio della Maddalena (Venice), 1908.




Portrait of a Woman. 1908.

Охота на чаек.



Воздушная полиция. Как и в случае с пожарными, эту роль выполняют вертолеты.



Ферма в 2000 году. Действительно, в сельском хозяйстве все больше процессов автоматизируется — взять хотя бы электрическую доилку для коров.



Часовой на вертолете. В какой-то степени эту функцию выполняют сегодня вертолеты, дроны и даже космические спутники.



Ускоренное разведение кур. Прототип генной инженерии?



Портной XXI века. Стоит лишь снять мерки, нажать пару рычагов — и машина моментально изготавливает нужный предмет одежды.



Крикет под водой.

Man smoking a pipe, 1859.



Brown and Silver: Old Battersea Bridge, 1859.



The Thames in Ice, 1860.



The Coast of Brittany (aka Alone with the Tide), 1861.



The Last of Old Westminster, 1862.



Grey and Silver Old Battersea Reach, 1863.



Crepuscule in Opal- Trouville. 1865.



Harmony in Blue and Silver: Trouville. 1865.



The Beach at Selsey Bill. 1865.



The Sea. 1865.



The Artist s Studio (Whistler in His Studio). c. 1865.

2. Daum Frères, Nancy, 1905



3. Seltene Vase "Pluviose" Henri Bergé (Entwurf), Daum Frères, Nancy, 1899 - 1902.



4. Daum Frères, Nancy, 1900.



5. Seltene Vase mit Lilie Daum Frères, Nancy, 1900.



6. Daum Frères, Nancy, 1905.



7. Daum Frères, Nancy, 1910 - 1915.



8. Daum Frères, Nancy, 1900 - 1907.

3. 1900 г. Бронза. Victorin Sabatier.



4.1900 г. Бронза, стекло. Высота 43 см. Hector Guimard
5. 1900-1910 г. Позолоченная бронза, стекло, металл. Высота 50 см. HECTOR GUIMARD



6. 1900-1902 г. Стекло, керамика. Высота 60 см. Pierre-Adriene Dalpayrat. Из коллекции музея Метрополитен.



7. 1904 г. Медь, стекло, посеребренная шерсть. Высота 42 см. Konrad Schindel. Из коллекции музея Метрополитен.



8. 1905 г. Красное дерево, ткань, медь, стекло. Gustave Serrurier-Bovy



9. 1900-1905 г. Стекло, эмаль, железо. Высота 37,5 см. Daum Nancy.
10. 1905 г. Бронза. Высота 47 см. Sigfrid Wagner. Из коллекции музея Метрополитен.

6. Традиционная мужская юбка фустанелла.



7. 1904 г.

Гонка в Тихом океане. Вопреки представлениям людей начала XX века, подводной среде в III тысячелетии не уделяется столько внимания.



Автоматический оркестр. Запись музыки и звукового сопровождения используется повсеместно, в том числе и в театре.



Домик на колесах. Комфортабельные автобусы, предназначенные для дальних маршрутов, — реализация этой идеи.



Школа в 2000 году. Мультимедийные материалы активно используются в передовых школах, однако от чтения книг они не освобождают.



Наряжающаяся дама. Роботы-стилисты, возможно, были изобретены, но популярностью не пользуются.



Боевые машины. Очень точное предсказание: военные автомобили с пулеметами используются во многих вооруженных конфликтах.



Китовый автобус. Прототип подводной лодки?

Ювелирный портсигар.
Серебро, позолота, эмаль, жемчуг, бирюза.
Автор: Константин Линке. Москва, 1899 г.




Центральная часть колье.
Золото, эмаль, стекло.
Автор: René Lalique. Франция.




"Thistle", Anton Seder, Германия, 1890г.




Застёжка для плаща с чертополохом.
Автор: Antoine Bricteux. 1900 г.




Центральная часть колье.
Золото, эмаль, стекло, алмазы.
Автор: René Lalique. Франция.




Подборка брошей в стиле ар нуво.
Вверху: Брошь. Перидот, эмаль, стекло, золото. Автор: René Lalique.1900 г.
Внизу: Брошь: Аквамарин, алмазы, стекло, эмаль, золото. Автор: René Lalique.1905 г.
В центре слева: Брошь. Рубины, перидот, золото. Автор: Tiffany & Co. Schlumberger.
В центре справа " Брошь из комплекта "Чертополох". Алмазы, звездчатые сапфиры, эмаль, золото. Автор: René Lalique. Франция, 1900 г.





Комплект "Чертополох". Алмазы, звездчатые сапфиры, эмаль, золото. Автор: René Lalique. Франция, 1900 г.




Брошь с чертополохом.
Золото, аметист, стекло, эмаль.
Автор: René Lalique. Франция, 1900г.




Застежка для плаща с чертополохом.
Серебро, позолота. Автор: Henri Vever. Франция, 1899 г.

Хант был студентом Королевской академии художеств, где познакомился с Милле и Данте Габриэлем Россетти и вместе с ними основал «Братство прерафаэлитов» (англ. Pre-Raphaelite Brotherhood).
Поначалу картины Ханта не были особенно популярны, но затем он приобретает известность. Проведя два года (1854-55) на Востоке, он написал одну из самых известных своих картин — «Свет мира», которая возбудила в художественной критике горячие споры. Холман Хант был единственным, кто до конца остался верен доктрине Братства прерафаэлитов и сохранил их живописные идеалы до самой смерти, однако в конце концов ему пришлось бросить живопись из-за все ухудшающегося зрения, и последняя картина — «Леди из Шалотта» (англ. The Lady of Shalott) — была закончена помощником, Эдвардом Хьюзом. Хант также является автором автобиографий «Прерафаэлитизм» (англ. Pre-Raphaelitism) и «Братство прерафаэлитов» (англ. Pre-Raphaelite Brotherhood), цель которых — оставить точные сведения о происхождении Братства и его членах.

Хант женился дважды. После неудачного обручения со своей моделью Энни Миллер он женился на Фанни Во, которая затем послужила моделью для Изабеллы. Фанни умерла при родах в Италии и была похоронена на Английском кладбище во Флоренции рядом с могилой Элизабет Браунинг. Вторая жена Ханта, Эдит, была сестрой Фанни. В те времена в Англии было незаконно жениться на сестре погибшей жены, и Хант был вынужден поехать для этого за границу. Эта женитьба привела к серьёзной размолвке с остальными членами семьи, особенно с его бывшим коллегой-прерафаэлитом Томасом Вулнером, женатом на сестре Фанни и Эдит Алисе.

«Английское семейство, обращённое в христианство, защищает проповедника этой религии от преследования друидов» — картина художника-прерафаэлита Уильяма Холмана Ханта, впервые выставленная в Королевской академии художеств в 1850 году. Сейчас находится в Музее Ашмола в Оксфорде. Картина соседствовала с полотном другого известного прерафаэлита Джона Эверетта Милле «Христос в родительском доме». Оба художника стремились изобразить эпизоды из ранней истории христианства, показывая семьи. Оба подчёркивают примитивизм сюжета.

Сюжет

Картина Ханта изображает семью древних бриттов, живущих в грубо построенной хижине на берегу реки. В своём жилище они прячут христианского миссионера, скрывающегося от толпы языческих британских кельтов. Слева вверху полотна можно увидеть друида, указывающего на другого миссионера, бегущего от толпы.

В щелях задней от зрителя части хижины видны каменные круги — символы язычества. Контраст кельтской и христианской символик достигается путём изображения креста на стене хижины.

Присутствие друида на картине, по видимому, отсылает ко временам римского завоевания Британии в середине I-го века. Это очень ранний период для миссионерства, хотя ризы, в которые они облачены, появились гораздо позже.

Критика

Картина Ханта была менее противоречивой, чем картина Милле, но Хант подвергся критике за странную композицию и искажённые позы фигур. В 1860 году Флоренс Клакстон в своей картине The Choice of Paris: An Idyll (1860) позаимствовала комозицию картины Ханта, спародировав вместе с этим многие другие работы прерафаэлитов.

Сам Хант считал картину одним из своих лучших произведений. Об этом он писал В 1872 году в письме Эдварду Лиру.

«Пробудившийся стыд» (англ. The Awakening Conscience, досл. «Пробудившаяся совесть») — картина, написанная в 1853 году английским художником-прерафаэлитом Уильямом Холманом Хантом, одним из основателей Братства прерафаэлитов. На картине изображена падшая женщина, поднимающаяся с колен мужчины в момент раскаяния.

Работая над полотном, художник большое внимание отводил деталям. Отсюда практически все отображённые на полотне предметы несут смысловую нагрузку и служат разгадками для сюжета картины. Джон Рёскин высоко оценил талант художника, и картина стала одной из самых известных работ Ханта. Сам художник два раза вносил изменения в полотно: в первый раз по просьбе владельца картины он изменил лицо женщины, второй раз ему предоставилась возможность улучшить детали.

Сейчас «Пробудившийся стыд» находится в зале №14 Британской галереи Тейт после дарения картины галерее владельцами в 1976 году.

Описание

Изначально может показаться, что на картине изображены сиюминутные разногласия между мужем и женой, но название картины и символы, присутствующие в ней, дают понять, что это любовница и любовник. На левой руке у женщины нет обручального кольца. По всей комнате разбросаны напоминания об упущенной жизни: кошка под столом играет с пойманной птицей; часы укрыты под стеклом; висящий на фортепиано гобелен не закончен; нити, разрозненно лежащие на полу; на стене висит картина Фрэнка Стоуна; на полу брошен текст музыкального оформления Эдварда Лира лирической поэмы Альфреда Теннисонса «Слёзы, праздные слезы», а на фортепиано стоит произведение «Часто в тихую ночь» Томаса Мура, рассказывающее об упущенных возможностях и грустных воспоминаниях о счастливом прошлом.

Искусствовед Элизабет Преттеджон отмечает, что хотя интерьер на картине теперь рассматривается как «викторианский», он всё же источает пошлость нувориша, что было бы неприятно современному зрителю. На рамке картины написан стих из Книги притчей Соломоновых (25:20): «Что снимающий с себя одежду в холодный день, что уксус на рану, то поющий песни печальному сердцу»

В некотором смысле эта картина является дополнением к религиозной картине Ханта «Светоч мира», изображающей Христа, держащего фонарь и стучащего в заросшую бурьяном дверь, символизирующую «закрытое сердце». Содержанка на картине «Пробудившийся стыд» может быть ответом на этот образ, её совесть «открывает сердце» изнутри. Хант видел в изображении женщины пример того, как дух небесной любви призывает душу отказаться от низшей жизни. В своей книге «Прерафаэлитизм и Братство прерафаэлитов» Хант писал, что изначально идею для композиции картины ему дал роман «Дэвид Копперфилд» и художник стал посещать «разные прибежища падших девушек» в поисках подходящего места для новой картины. Хант не планировал воссоздавать какую-либо конкретную сцену из романа, но изначально хотел захватить что-то общее: «павшая девушка, ищущая любви, наконец находит объект поиска». Позже он передумал, решив, что такая встреча вызовет разные эмоции в девушке, но вряд ли покаяние, которое он хотел показать. В итоге художник остановился на идее, что мужчина будет наигрывать песню, которая вдруг напомнит падшей женщине о прошлой жизни и этот момент станет переломным для неё.

Натурщицей для изображения женщины стала Энни Миллер, которая часто позировала для прерафаэлитов, а также была помолвлена с Хантом до 1859 года. Мужская фигура может быть списана с Томаса Седдона или Августа Эгга, бывших друзьями Ханта.

Изменения в картине

Выражение лица девушки на картине — это не то выражение боли и ужаса, что увидели зрители, когда картина была впервые выставлена, потрясая многих критиков. Картина была заказана Томасом Фейрберном, манчестерским промышленником и меценатом прерафаэлитов. Эгг обсуждал с ним идеи Ханта и, возможно, показал несколько начальных эскизов. За картину Фейрберн заплатил Ханту 350 гиней. Полотно было выставлено в Королевской академии художеств в 1854 году вместе со «Светочем мира». Фейрберн не мог выдержать выражения лица содержанки, глядя на картину изо дня в день, поэтому уговорил Ханта смягчить лицо на картине. Художник приступил к работе, но вскоре заболел и картина в почти первозданном виде была показана на выставке в Бирмингемском обществе художников в 1856 году, прежде чем была перерисована. Позже Ханту удалось поработать над своим творением ещё раз и, по признанию Эдварда Лира, художник существенно улучшил картину. Как отмечается в антрвольтах, Хант ретушировал картину в 1864 году и снова в 1886, когда восстанавливал работу после реставрации в промежуточный период.

Отношение Джона Рёскина

Викторианский теоретик искусства и покровитель прерафаэлитов Джон Рёскин высоко оценил «Пробудившийся стыд» как пример нового направления в британском искусстве, создававшийся фантазией художника, а не хроникой событий. В своём письме 1854 года газете The Times Рёскин, защищая работу, утверждает, что картина приобретает трагический смысл, если правильно прочитать её по объектам в комнате. Он был поражён и суровым реализмом комнаты, отметив, что раскрытие характеров через интерьер выгодно отличает картину от «Модного брака» Уильяма Хогарта. «Общий, современный, вульгарный» интерьер перегружен блестящей, неиспользованной мебелью, которая никогда не будет частью дома. Для Рёскина эта изысканная деталь картины обратила внимание на неизбежный разрыв отношений пары. Идея визуально отобразить переломную секунду для жизни человека позднее была показана в 1858 году в триптихе «Прошлое и настоящее[en]» Августа Эгга.

Провенанс

Картина перешла по наследству к сыну Фейрберна, сэру Артуру Гендерсону Фейрберну, 3-му баронету. В январе 1946 года полотно было анонимно продано на аукционе Christie's и было куплено Колином Андерсоном в 1947 году. В 1976 году картина была подарена Британской галерее Тейт.

«Светоч мира» (англ. The Light of the World) — аллегорическое полотно художника-прерафаэлита Уильяма Холмана Ханта, представляющее фигуру Христа у массивной, заросшей бурьяном, давно запертой двери. Картина иллюстрирует Откровение Иоанна Богослова: «Се стою у двери и стучу. Если кто услышит голос Мой и отворит дверь, войду к нему, и буду вечерять с ним, и он со Мною» (Откр. 3:20). Название картины также взято из Евангелия: «Аз есмь свет миру» (Ин. 8:12) (англ. I am the light of the world).

Сюжет и символизм картины

Произведение наполнено образами, имеющими символистский смысл.

Над миром лежит ночь. Христос со светильником в руке идёт по миру среди мрака и стучится в дома. На картине Он изображён у одной из дверей. Светильник в левой руке Иисуса подчёркивает мрак, окружающий дом. Свет от светильника направленный, падает на дверь и немного освещает одежды Спасителя. Христос изображён в длинных светлых одеждах, на Нём красный плащ, на голове — корона и вокруг неё терновый венец, на ногах — сандалии. Лицо Христа обращено к зрителю. Ещё одно светлое пятно на картине — луна, образующая нимб вокруг головы Спасителя.

Дверь символизирует «закрытое сердце», она наглухо заперта, давно не отворялась, заросла бурьяном. На двери нет ручки, и открыть её можно только изнутри.. Особое внимание художник уделил изображению светильника. Он довольно сложен и причудлив: семь его граней символизируют семь Церквей Апокалипсиса, а отверстия разной формы — многообразие форм религии, объединённых общим светом.

Вся сцена иллюстрирует фрагмент из Откровения Иоанна Богослова: «Се стою у двери и стучу. Если кто услышит Мой голос и отворит дверь, войду к нему, и буду вечерять с ним, и он со Мною» (Откр. 3:20).

Через 50 лет после создания картины Ханту пришлось разъяснять её символистский смысл.

История создания

Картина была задумана как парная к «Пробудившемуся стыду» (The Awakening Conscience, 1853).

Оригинал картины был написан в 1853—1854 годах. Изначально Хант намеревался сделать сцену дневной. Но позже его захватила идея написать ночную сцену и продолжить эксперименты со световыми эффектами, начатые во время работы над картиной «Наши английские берега» (1852). До этого Хант ночных сцен не писал и, чтобы лучше освоить технику их создания, отправился на «натуру», в графство Суррей.

Хант ходил с фонарём в руках и в окрестностях станции Ивелл нашёл подходящую бедную хижину на одной из ферм (Worcester Park Farm). Он построил во дворе соломенный шалаш и прожил в нём несколько месяцев, во время лунных ночей изучая освещение и световые эффекты: преломление света, проходящего через ветви деревьев, рассеяние света от фонаря, тени и полутени. Работал он по ночам, с фонарём и этюдником, и местные жители в конце концов сочли его за сумасшедшего. На ферме с ним жил другой прерафаэлит, Джон Эверетт Милле, который впоследствии вспоминал:

"Этим вечером я вышел в сад (прекрасная лунная ночь, но очень холодная) с фонариком для Ханта, чтоб увидеть эффект, которого он хочет достичь при помощи этого лунного света."

Фонарик, которым художник светил себе, не был похож на светильник, изображённый на картине в руке Христа. Но стремясь к правдоподобию и совершенству, Хант специально изготовил и макет светильника. Работу над картиной Хант заканчивал в своей лондонской мастерской. Уже имея большой опыт работы в полевых условиях, он изготовил специальное устройство, с помощью которого получал необходимые световые эффекты в своей мастерской в любое время суток.

Картина была представлена публике на выставке Королевской Академии 1854 года, но была встречена довольно холодно и не произвела того эффекта, на который рассчитывал Хант. Кроме того, некоторые усмотрели в его новой работе проповедь католицизма. Тогда в поддержку картины на страницах «Times» выступил знаменитый теоретик искусства Джон Рёскин со статьёй, разъясняющей её символистский смысл. В своем письме от 5 мая 1854 года Рёскин назвал «Светоч мира» одним из самых прекрасных произведений на религиозную тему, которые когда-либо были созданы.

В итоге картину купил Томас Комб, а его жена впоследствии передала её Кейбл-колледжу (Keble College), в Оксфорде, где она и экспонировалась в дальнейшем. В настоящее время это полотно находится в боковой комнате большой часовни в Кейбл-Колледже. По всей Англии распространялись гравюры и открытки с репродукциями картины, и с годами «Светоч Мира» был признан одним из знаковых и самых впечатляющих образов викторианской эпохи.

Однако Ханта не устраивали условия экспонирования картины в Кейбл-колледже, где её не могло увидеть значительное количество людей, и, ровно через 50 лет после создания картины, в 1904 году художник закончил другую её версию, изображающую фигуру Христа в полный рост. Это полотно приобрёл Чарльз Бут. Произведение «прогастролировало» по крупнейшим городам Великобритании, Америки, Канады, Новой Зеландии и Австралии, неизменно собирая толпы зрителей, а затем его повесили в Соборе Святого Павла, в Лондоне.

В письме к своему другу Уильяму Беллу Скотту Хант писал:

"Эта картина — не просто удачная находка, я недостоин её, она как бы возникла во мне — меня вело Провидение."

Влияние

В викторианский период картина была очень популярна, и вдохновила нескольких композиторов на создание произведений, в частности, Артур Салливан в 1873 году написал ораторию «The Light of the World».

«Козёл отпущения» (англ. The Scapegoat) — картина британского художника Уильяма Ханта, на которой изображён библейский козёл отпущения, на которого в праздник Йом-Кипур возлагали грехи всего еврейского народа и выгоняли в пустыню в качестве искупительного жертвоприношения. В соответствии с традиционной христианской точкой зрения, Хант верил, что козёл отпущения был прототипом жертвы Иисуса Христа и представлял собой мессию, описанного пророком Исайей как страдающего раба Господа. Картина обрамлена цитатами:

И понесёт козёл на себе все беззакония их в землю непроходимую, и пустит он козла в пустыню…(Лев. 16:22)

Но Он взял на Себя наши немощи и понёс наши болезни; а мы думали, Он был поражаем, наказуем и уничижен Богом (Ис. 53:4)

«Нахождение Спасителя во Храме» (англ. The Finding of the Saviour in the Temple) — картина английского художника-прерафаэлита Холмана Ханта, созданная в 1860 году.

Описание

Полотно иллюстрирует евангельское событие «Иисус среди учителей», описанное в Евангелие от Луки:

Каждый год родители Его ходили в Иерусалим на праздник Пасхи. И когда Он был двенадцати лет, пришли они также по обычаю в Иерусалим на праздник. Когда же, по окончании дней [праздника], возвращались, остался Отрок Иисус в Иерусалиме; и не заметили того Иосиф и Матерь Его, но думали, что Он идет с другими. Пройдя же дневной путь, стали искать Его между родственниками и знакомыми, и, не найдя Его, возвратились в Иерусалим, ища Его. Через три дня нашли Его в храме, сидящего посреди учителей, слушающего их и спрашивающего их; все слушавшие Его дивились разуму и ответам Его. И, увидев Его, удивились; и Матерь Его сказала Ему: Чадо! что Ты сделал с нами? Вот, отец Твой и Я с великою скорбью искали Тебя. Он сказал им: зачем было вам искать Меня? или вы не знали, что Мне должно быть в том, что принадлежит Отцу Моему? Но они не поняли сказанных Им слов. (Лк. 2:41-50)

Холмен Хант изображает момент, когда Мария и Иосиф находят Иисуса, а учителя обсуждают сказанные Им слова.

История создания

Художник приступил к работе над этой картиной в 1854 году. Чтобы добиться этнографической точности, он отправился на Ближний Восток, где хотел использовать местных жителей в качестве моделей для картины, а также тщательно изучить еврейские обычаи и ритуалы. Из-за этого написание полотна сильно затянулось, поэтому Холмен Хант закончил его уже после возвращения в Англию, в 1860 году.

«Изабелла и горшок с базиликом» (англ. Isabella and the Pot of Basil) — картина британского художника Уильяма Ханта, написанная им в 1856 году. Картина изображает сцену из одноимённой поэмы английского поэта Джона Китса на сюжет из новеллы о горшке с базиликом из «Декамерона» Боккаччо. Изабелла ласкает горшок с базиликом, в котором она закопала отрезанную голову своего любовника Лорензо.

История создания

Хант сделал наброски иллюстраций к поэме ещё в 1848 году, сразу после основания братства прерафаэлитов, но долго не мог довести их до полноценной картины. Иллюстрации содержали разные сцены, изображали Лорензо работающим клерком, братьев Изабеллы, просматривающих счета.

Хант вернулся к написанию картины в 1866 году после свадьбы, в это время он особенно увлекался написанием картин с эротическим содержанием. Идея «Изабеллы и горшка с базиликом» пришла к Ханту во время написания «Il Dolce Far Niente», которая была продана в очень короткие сроки. Работу над картиной Хант начал во время путешествия по Италии со своей беременной женой Фанни Фо. Однако, его жена умерла после рождения ребенка в декабре 1866 года от лихорадки. Хант превратил картину в своего рода дань памяти своей жене, использовав её черты при создании образа Изабеллы. Он работал над картиной в Италии ещё месяц, после чего вернулся в Англию и закончил картину в январе 1868 года. Картина была куплена и выставлена на обозрение арт-дилером Эрнестом Гембертом.

Описание

Картина изображает Изабеллу, страдающую бессонницей. Изабелла одета в полупрозрачную ночную рубашку и только что встала с постели, которая видна на заднем плане. Она облокотилась на созданный для Лорензо инкрустированный аналой, над которым развешена богато украшенная скатерть. На ней горшок-майолика, украшенный черепами — в нём погребен череп Лорензо. Богато украшенные волосы Изабеллы лежат вокруг цветущего растения. Китс так описывает эту сцену:

«…hung over her sweet Basil evermore,
And moistened it with tears unto the core…»

Она забыла солнце и луну,
Она забыла синеву над садом,
Она забыла теплую весну,
Забыла осень с темным виноградом,
Не ведала, когда идут ко сну,
Зарю не удостаивала взглядом,
Сидела у окна, обняв цветок,
Который до корней от слез намок.

Акцент на чувствительности, яркости красок, тщательно продуманных декоративных элементов отражает черты декоративного движения в искусстве того времени и имеет черты, сходные с картинами других членов Братства Прерафаэлитов, например с картиной Миллеса Джона Эверетта «Pot Pourri» и «Venus Verticordia» Данте Габриэля Росетти. Поза Изабеллы также напоминает скульптуру Томаса Вулнера «Цивилизация», позировала для которой сестра Фанни Фо Алиса.

Работа Ханта повлияла на многих более поздних художников, которые перенимали образ главного героя. Наиболее примечательны Джон Уайт Александер и Джон Уильям Уотерхаус. Александер и Уотерхаус заимствовали заглавие Ханта и создали вариации на его композицию. Александер приспособил работу Ханта под уистлеровский стиль. Уотерхаус перевернул картину, перенес действие в сад, но сохранил главный мотив и тоже украсил горшок черепами.

«Тень смерти» — религиозная картина Уильяма Ханта. Над картиной Хант работал с 1870 по 1873 года, после его второго путешествия в Палестину. Картина изображает молодого Иисуса, вознесшегося над своими хозяевами, когда он работал плотником.

История

В 1850 году другой британский художник Эверетт Миллес уже изображал мальчика-Иисуса подмастерьем (Христос в родительском доме), помогающим своему отцу. На эту картину Миллеса был обрушен шквал критики по причине якобы присутствовавшей моральной нищеты работы. Хант повторил многие черты картины Миллеса, также уделив особое внимание мускулатуре Иисуса.

Содержание

Изображением Хантом Иисуса как трудолюбивого взрослого ремесленника брало истоки из произведения Томаса Карлайла, который также акцентировал внимание на духовной оценке честного труда. Это также соответствует появлению Мускульного Христианства, представлению авторов Чарльза Кингсли, Томаса Хьюса и тех других, которые продвинули физическую силу и здоровье и преследование христианских идеалов в личной и политической жизни. Карлайл раскритиковал более раннюю работу «Светоч мира» и называл её «папистским» произведением, по причине того, что эта картина показывала Иисуса в царской одежде.

Картина содержит хорошо различимый символизм, который содержится в акценте на роль Христа и его подлинности как Спасителя. В этих особенностях явно прослеживается влияние Эверетта Миллеса, в частности его картины "Victory O Lord!".

Критика

Критик Френсис Килверт так описывает своё впечатление от картины, когда он впервые увидел её в 1874 году:

Я сожалею о том, что ходил смотреть картину Ханта «Тень смерти». Это была пустая трата денег. Я думаю, что эта картина показная и отвратительная, и надеюсь больше никогда не увидеть её.

Однако, картина имела большой успех и с неё нередко писали копии. Её популярность сделала возможным подарить её Манчестерской галерее искусств в 1873 году, где она хранится до сих пор.