Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Одежда индейцев Северной Америки.
Индейцы могли быть одеты по-разному. Племена равнин, а также северных и восточных районов носили больше одежды, чем племена, жившие в теплых южных районах. Последние, как и жители района Большого Бассейна, ходили практически без одежды: у мужчин была лишь набедренная повязка-фартук, а у женщин — юбка. Индейцы южных районов наносили татуировку по всему телу: это были различные причудливые полосы и разнообразные разноцветные узоры. Они также раскрашивали тело белой, красной и коричневой охрой. Татуировку применяли и некоторые племена центральных и восточных районов. Воинственные индейцы кэддо, образовавшие федерацию на территории Оклахомы, Канзаса и Арканзаса, столь обильно покрывали себя татуировкой, что первые английские поселенцы называли их «индейские пикты»(1).
В большинстве районов женщины обычно носили либо кожаные рубаху и юбку, либо рубаху-платье и ноговицы(2).
Мужчины носили короткие штаны и ходили с обнаженным торсом; в холод или дождь они использовали покрывало, напоминавшее плащ-накидку. Рубахи носили лишь мужчины, занимавшие высокое положение, да и то в основном во время праздничных церемоний. Пышные наряды, описанные в романах Викторианской эпохи и показанные в фильмах, появились сравнительно недавно, когда индейцы стали использовать в одежде шелк, ленты, бархат и сатин, подражая белым людям, с которыми им приходилось встречаться в городах, во время движения по рекам и в военных гарнизонах. Индейцы заимствовали у белых и фасон одежды, поэтому после 1860 г. наряды индейцев стали представлять собой пародию на традиционное индейское одеяние.
Нельзя сказать, что мех и кожа, которые индейцы использовали в одежде до того, как она резко изменилась под влиянием белых людей и шоу «На Диком Западе», были хуже по качеству, чем у европейцев. Мех и пушнина отличались высоким качеством, а одежда из них не уступала той, которую делают сегодняшние мастера. Шкуры и кожа находили самое различное применение. Невыделанные шкуры не уступали по твердости и прочности кости и пластмассе; из них делали щиты, защитные покрытия и уже упоминавшиеся парфлеши. Из шкур бизона, марала, лося, оленя, антилопы и других животных индейцы выделывали такую мягкую кожу, как нигде больше. Шкуру тщательно натирали смесью из мозга и печени животных, кислого молока и коры вяза, а затем долго вымачивали в воде. После того как шкура была высушена и натянута на раму, ее можно было разрезать на части и использовать для пошива одежды, сумок, кожаных мешков, рубах и блузок, ноговиц, обуви, колчанов для стрел и еще тысячи и одного предмета. Многие племена имели свои собственные рецепты изготовления кожи и изделий из нее. Так, племя равнинных кроу настолько умело выделывало шкуры оленей, бизонов и маралов, что сделанные из полученной кожи одежда и покрытие для палаток-типи очень быстро высыхали и после самого сильного дождя, который не причинял им никакого вреда.
Поскольку всевозможные украшения — врожденная страсть индейцев, их часто наносили как на кожаную одежду, так и другие изделия из кожи. Делали бахрому, вышивки, наносили рисунки, а также украшали бисером, ракушками, иглами дикобраза и перьями. Помимо кожаной одежды было много способов производства и украшения одежды из других материалов. Индейские женщины искусно ткали, плели, вышивали, делали складки на одежде, обшивали ее тесьмой — причем как вручную, так и используя ткацкий станок, как импровизированный, так и настоящий. Они достигли в этом очень высокого уровня. Рубахи и блузки, платья, ремни, пояса-кушаки, плащи-покрывала, как обычные, так и для вождей, накидки-пончо и многое другое — все это было изготовлено индейскими ткачихами.
У индейцев было несколько пар мокасин — как с высоким верхом, так и с низким, как на мягкой, так и на твердой подошве. Одни предназначались для отдыха, другие — для занятий сельским хозяйством, третьи для охоты и преследования дичи и т. д. Какую-то обувь носили ежедневно, какую-то только по праздникам. Отправляясь на охоту, индеец брал с собой две-три пары обуви. И в мирное время, и на войне индейцы были большими щеголями; они разряжались как павлины, постоянно прихорашивались и гордо демонстрировали свои наряды.
Важной составной частью индейского туалета были прическа и головной убор. В основном индейцы носили длинные волосы, перехватывая их сзади ремешком, узкой головной повязкой или платком. Некоторые племена намазывали волосы грязью или жиром; им придавали различную форму, чтобы, например, отличить холостого от женатого или опытного воина от зеленого юнца. В ряде племен воины обривали голову, чтобы запугать противника. При этом обычно оставляли либо небольшую косичку, либо хохолок, торчавший, как петушиный гребешок. И мужчины и женщины носили серьги, размер которых зависел от занимаемого положения, а также ожерелья, подвески, кольца и самые разнообразные браслеты для рук и ног.
Существовали также строгие правила и относительно оперения в головном уборе. Один воин имел право на ношение одного орлиного пера, другой — двух. Перья и кусочки меха как на голове, так и на других частях тела означали знаки отличия и соответствовали тому или иному военному рангу или заслугам. Мех выдры, бобра, дикой кошки полагалось носить лишь имевшему выдающиеся заслуги. Носивший мех лисы или енота имел большие заслуги по сравнению с тем, кто носил мех белки.
Самый знаменитый боевой головной убор индейцев, состоявший из нескольких рядов развевающихся и ниспадающих на плечи перьев, был изобретен индейцами лесных районов востока. Оттуда он достиг района Равнин; наибольшей популярностью он пользовался у индейцев сиу. Другие равнинные племена использовали головной убор измененного дизайна: так, черноногие носили прямую по бокам корону из перьев. Однако самым красивым и оригинальным был головной убор калифорнийских индейцев. Он состоял из оперения, выложенного перьями ворона и красного дятла, в которое были вставлены изящные тростинки с цветками мака или пушистыми комочками хлопка на концах. Многие обходились простыми головными уборами из соломы или коры деревьев, напоминавшими панамы или зюйдвестки. Ведь жизнь индейца в большей степени состояла не из праздников, а из обычных будней.
1 Пикты — коренные жители Шотландии, мужественно отстаивавшие свою независимость и почти полностью погибшие; их мужество и стойкость воспеты в стихотворении Р.Л. Стивенсона «Вересковый мед».
2 Ноговицы — своего рода гамаши; ноговицы, соединенные с мокасинами, напоминали облегающие ногу высокие, до пояса, сапоги.
Джон Мэнчип Уайт. Индейцы Северной Америки. Быт, религия, культура. Москва, Центрполиграф, 2006г.
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
René Lalique
Золотое приглашение на выставку от René Lalique, 1905.
Украшение для корсажа. Жасмин. Rue du Hochberg, Alsace, France.
"Чертополох", около 1905. Victoria and Albert Museum
Слева - брошь, около 1905г. Золото, эмаль, алмазы. Аукцион Christie's. Справа - Две ласточки и стебель овса. 1906-08г
Портрет Augustine-Alice Ledru, музы ювелира, в подвесе от René Lalique.
Подвеска "Юпитер и коза Амальтея" 1906
Кольцо René Lalique. Золото, изумруд, резная слоновая кость. Ювелирный и антикварный дом Wartski.
Кошачье колье. 1908 год. Горный хрусталь,золото, бриллианты. Несмотря на кажущуюся простоту и отсутствие цвета, изделие представляет собой по-настоящему потрясающее сочетание уникальной техники и высшего мастерства. Колье состоит из связанных золотой сеткой ряда небольших квадратов горного хрусталя с выгравированными изображениями кошек и листвы. Мельчайшие шарниры скрыты под мелкими бриллиантами, а верх и низ колье обрамлен золотой каймой, покрытой белой эмалью. https://vk.com/wall-88261043_3473?hash= ... 28b2a28f41
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
История детской коляски.
Самая первая детская коляска была создана в 1733 году Уильямом Кентом, английским ландшафтным архитектором. Он сконструировал ее по просьбе Уильяма Кавендиша, третьего Девонширского герцога, отца шестерых детей. Собственно, это была не коляска в нашем понимании, а небольшая детская повозка, в которую запрягалась коза или пони. Модель Кента пришлась по вкусу, и вскоре коляски распространились среди высших слоев Европейского общества. В то время они представляли собой воистину произведение искусства. Средние и низшие сословия не могли позволить себе приобрести такую дорогую игрушку, и на протяжении еще более ста лет коляска оставалась невероятной диковинкой.
По-настоящему мода на коляски возникла в 1840 году с легкой руки королевы Виктории, любящей матери девятерых детей, которая пожелала самолично прогуливаться со своими детьми по королевскому парку. Как и все коляски того времени, коляску королевы нельзя назвать действительно удобной: она была чересчур высокая и неустойчивая, у нее не было ручек, в связи с чем, ее нужно было тянуть за собой. Вслед за королевской семьей колясками стали обзаводиться все состоятельные люди, сначала в Англии, а потом и по всему миру.
К 1840-м годам пони сменились нянями, однако и они продолжали таскать эту тележку за собой. Отсутствие необходимости заботиться о ребенке стало признаком состоятельной и благополучной семьи, количество прислуги которой позволяет растить ребенка. Так коляска вошла в нашу жизнь и стала признаком огромного расстояния, разделявшего ребенка и мать высших сословий. И даже названия моделей колясок того времени отражали их привилегированность: самыми популярными были модели «Герцогиня» и «Принцесса».
Революционный скачок произошел в 1853 году, когда Чарльз Бэртон запатентовал коляску с ручкой сзади. Это резко увеличило как управляемость детского экипажа, так и степень обзора для маленького пассажира. Однако внешний вид, повторяющий очертания взрослых экипажей, полностью сохранился, а вместе с ним осталась и сама идея, что ребенок должен в коляске сидеть. Это очень сужало сферу её применения: она подходила лишь для подросших детей. Что же касается малышей, то случаи их выпадения из «экипажа» были не редкостью. Лишь в последней трети XIX века коляска окончательно утратила черты сходства со взрослым экипажем и превратилась в люльку на колесах. Однако даже эта метаморфоза не изменила отношения к коляске как к виду транспорта, а в связи с тем, что она получила массовое распространение, полиция Лондона в 1873 году запретила возить её по тротуарам. Кроме того, в 1880 году было выдвинуто требование ко всем колясковладельцам — оборудовать детские экипажи красными и белыми фонарями. Когда пошла мода на первые автомобили, возникли и автоколяски, и родители стали требовать от нянь вместе с рекомендациями ещё и водительские права. Однако быстрое распространение автотранспорта и загазованность улиц быстро сделали всё это ненужным — коляска была вытеснена в парки и скверы, туда, где она пребывает и сейчас.
В конце 19 века в Великобритании появилась самая первая компания по производству колясок – Silver Cross. Она была основана в 1877 году и тогда же выпустила свои первые модели. С тех пор Silver Cross считается самой старейшей и престижной компанией в Англии, производящей коляски. 18 июня 1889 года в балтиморское патентное бюро пришел Уильям Ричардсон с идеей, свершившей очередную революцию в истории колясок. Он придумал реверсивную модель коляски, т.е ребенок мог в ней сидеть как лицом к возившему коляску, так и спиной к нему. Кроме того, Уильям включил в свою модель оси, что добавило коляске маневренности. Вплоть до того времени оси и колеса были цельнолитые, что не позволяло им поворачиваться по отдельности. Колеса в коляске Ричардсона могли вращаться на 360 градусов совершенно независимо друг от друга.
С окончанием первой мировой войны в преддверии беби-бума рынок колясок значительно расширился, и стал доступен практически всем, кроме бедных слоев населения. Коляски претерпели некоторые изменения. У них появились подножки, колясочная «корзина» стала несколько глубже, а сами коляски ниже, так, что особо изобретательные малыши нередко сами выбирались из колясок и совершали путешествие до ближайшей земли:).
В начале 60х годов появляется прогулочная коляска нового типа – с высокой посадкой, на больших колесах, в которой уже нельзя лежать, а можно только сидеть, глубоко откинувшись. Коляски прямоугольной формы с низкой посадкой по-прежнему широко используются, но зато появляются коляски с высоким дорожным просветом.
К середине 1970-х годов коляски перестали быть редкостью и стали доступны каждой семье. В то время было два типа колясок – советские и импортные немецкие (ГДР). Возможно, это были коляски всемирно известной немецкой компании «ЦЕКИВА», но в то время простые советские люди редко обращали внимание на бренд. Наши коляски были громоздкими, тяжелыми и неудобными. В 1975 году на ДМЗ «КАМОВ» (Московская обл.) были созданы принципиально новые детские коляски, получившие Знак качества и золотую медаль ВДНХ.
История удивительна и парадоксальна: слинги, история которых насчитывает тысячи лет, еще во многих городах и селах воспринимают как диковинку, но как можно молодой маме обойтись без коляски, многие уже не представляют. Хорошо забытое старое становится новым, а новое становится привычным и чуть ли не необходимым. Радует то, что несмотря на широкий ассортимент детского транспорта традиции ношения детей на руках возрождаются, и любая мама может выбирать, когда и чем ей пользоваться: слингом или коляской. Статья с сайта: http://www.gazeta.lv/story/9150.html
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Дети в матросских костюмчиках. Конец XIX - начало ХХ века.
Детский матросский костюм вошёл в моду в середине XIX века. Согласно одним источникам, особую популярность он обрёл после того, как английская королева Виктория нарядила в матроску своего сына Уэльского Альберта Эдуарда, чтобы подчеркнуть связь монархии с военно-морским флотом.
Есть и другая версия: мальчики из дворянских семей чуть не с рождения были приписаны к тому или иному полку либо кораблю, где впоследствии проходили военную службу. Так что во время официальных торжественных мероприятий их одевали в форму соответствующего полка/корабля. Наверно, маленькие дети в этой форме выглядели очень мило, поэтому через некоторое время в матросские костюмы стали наряжать всех детей, причём не только по торжественным случаям. https://vk.com/wall-44986529_1078?hash= ... 775182a760
1. Два мальчика. 2. Мальчик. 1880-90 г.
3. 1890 г. 4. 1902-1905 г. Германия.
5. 1905 г. 6. 1910 г. Богемия.
7. 1910 г. Франкфурт. 8. 1918 г.
9. 1920 г. 10. 1920-е г. Германия.
_________________ Время от времени следует говорить глупости, это способствует созданию теплой дружеской атмосферы. (Макс Фрай "Лабиринты Ехо")
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Уинслоу ХомерCroquet Scene, 1866.
Из Википедии:
Уинслоу Хомер (англ. Winslow Homer; 24 февраля 1836, Бостон, Массачусетс, США — 29 сентября 1910, Праутс-Нек, Мэн) — американский художник и график, основоположник (наряду с Томасом Икинсом) американской реалистической живописи. Наиболее знаменит своими морскими пейзажами. Известен как своими работами маслом, так и акварелью. Большинство исследователей рассматривают Хомера как крупнейшую фигуру в американском искусстве XIX века, оказавшую влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Хомер принадлежал к первому поколению американских художников, создавших собственную американскую художественную школу. В то время как большинство его современников рассматривали европейское искусство в качестве идеала, Хомер, хотя и испытывал влияние самых разнообразных художественных течений, в своём творчестве прежде всего основывался на чисто американских сюжетах.
Творчество Хомера разделяется на два заметно отличающихся периода: до начала 1880-х годов, когда он живёт в основном в Нью-Йорке, и в живописи преобладают светлые солнечные пейзажи и сцены, и с середины 1880-х годов, в штате Мэн, после двухлетнего перерыва, который художник провёл в Англии. Для последнего периода больше характерны тёмные тона и сцены насилия и трагедии.
Ранние годы
Уинслоу Хомер родился в Бостоне 24 февраля 1836 года в семье из среднего класса, периодически испытывавшей финансовые затруднения. Оба родителя, Чарльз Сиведж Хомер старший и Хенриетта Бенсон Хомер, происходили из старейших семей Новой Англии. Уинслоу Хомер был вторым из трёх сыновей. Когда ему было шесть лет, семья переехала в Кембридж, где его отец держал магазин. Мать Хомера была художницей-любительницей (рисовала акварелью), стала первым учителем сына и до своей смерти в 1884 году была человеком, оказывавшим на него наибольшее влияние]. Получил начальное образование в Кембридже в школе Вашингтона (англ. Washington Grammar School), прилежным учеником не считался. К этому периоду относятся его первые опыты в рисовании. Рисунки описывают городскую жизнь Бостона, позже Нью-Йорка, хотя городские сюжеты после начала 1860-х годов полностью и навсегда исчезают из творчества Хомера.
В 1849 году отец будущего художника, Чарльз Хомер, бросил свой бизнес и на два года отправился в Калифорнию участвовать в «золотой лихорадке», после чего провёл несколько лет в Лондоне и Париже, и, потратив все деньги, в 1854 году вернулся в Кембридж. До конца своей жизни он существовал на денежную помощь его сыновей. Финансовые неудачи отца также оказали серьёзное влияние на художника, который всю свою карьеру заботился о финансовой состоятельности и до 1875 года работал иллюстратором, хотя в это время он уже был известным художником и вполне мог себя прокормить занятиями живописью.
В 1854 году, в возрасте 18 лет, Уинслоу Хомер принял решение не идти в университет. Вместо этого он, не имея формального образования, поступил в ученики в одну из самых известных гравировальных компаний в США, Баффордс (англ. J. H. Bufford's) в Бостоне. Там он работал до 1859 года. Этот период совпал с наибольшим расцветом иллюстрированных журналов в США. В 1859 году Хомер переехал в Нью-Йорк и начал выполнять работу в качестве иллюстратора журналов, по разовым договорам. Дополнительно, в 1861 году Уинслоу учился писать маслом. До 1875 года он выполнил около 200 иллюстраций в ведущих журналах. Тем не менее, в то время работа иллюстратора и гравёра рассматривалась как менее престижная, чем живопись. Поэтому начиная с 1857 года, Уинслоу Хомер рассматривал возможности, позволившие бы ему стать художником. В 1859, 1860 и 1863 годах он посещал занятия в Национальной академии дизайна, ведущем учебном художественном заведении США того времени. Кроме того, в 1861 году он брал частные уроки у художников Фредерика Рондела и Томаса Сира Каммингса. В 1860 году акварель Хомера «Катание на коньках в Центральном Парке» была выставлена в Национальной академии дизайна.
Хотя неизвестно, почему Хомер решил отказаться от получения формального художественного образования, известно, что в 1860 году он очень хотел отправиться в Европу, уровень живописи в которой в это время многократно превосходил американский. Эти планы были отложены из-за Гражданской войны.
Расцвет, зрелые годы
Конец 1860-х и начало 1870-х годов для для Хомера стали экспериментальными и чрезвычайно плодовитыми. Всё это время он проживал в Нью-Йорке и, в основном, писал иллюстрации для журналов, чем заслуживал репутацию художника.
В конце 1866 года его картины о Гражданской войне должны были быть выставлены на всемирной выставке во Франции. Из-за этого он прибыл на время в Париж, где присматривался, в том числе, и к чужим работам, вдохновляясь произведениями плоских и простых форм.
Женщины и играющие дети — самые популярные темы для художников 1870-х годов. В дополнение к мастерству его масла он начинает пользоваться акварелью. Его новая техника находит одобрение и позволяет ему отказаться от работы внештатного иллюстратора. В середине 1870-х годов он возвращается в Вирджинию, по всей видимости, оценить, что случилось с жизнью бывших рабов.
В начале 1880-х творчество художника приобрело новый виток, в 1881 году он отправился в Англию, в свою вторую и последнюю зарубежную поездку. В Лондоне он поселился в «Cullercoats», оставшись там с весны этого же года по ноябрь 1882. Там он изображал мужество мужчин и женщин. Последних в особенности: чистку рыбы, ремонт сетей и ожидание своих мужчин у кромки воды. Этот период сильно изменил последующие работы мастера.
Конец жизни, смерть
Летом 1883 года Хомер переехал из Нью-Йорка в Проутс Нэк (англ.) — полуостров в десяти милях на юг от Портленда, что в штате Мэн. Он начинает путешествовать и зарисовывать местные виды акварелью. Там он провёл остаток своей жизни. Он пользовался одиночеством для увеличения трудоспособности. В этот период он раскрыл такие сильные темы как: борьба человека с морем и отношение хрупкой человеческой жизни к вечной природе. В его работах 1880-х годов человек спорил с властью океана. Примерно в 1890-м году Хомер оставил эти темы, сосредоточившись на драматичности самого моря. Последние работы наиболее известны из всего творчества Хомера.
Работы 1865 - 1873 гг.
The Veteran in a New Field, 1865.
Croquet Scene, 1866.
Prisoners from the front, 1866, The Metropolitan Museum of Art, Oil on canvas. 24 x 38in.
The Bridle Path, 1868, oil painting (Clark Art Institute).
The Croquet Match, ca. 1869.
Long Branch New Jersey, 1869.
On the Beach, 1869
By the Shore,1870.
Eagle Head, Manchester, Massachusetts, 1870.
Crossing the Pasture, 1871-72, Amon Carter Museum of American Art.
Girl in the Hammock, 1873.
A Basket of Clams (Корзина моллюсков), 1873.
_________________ Время от времени следует говорить глупости, это способствует созданию теплой дружеской атмосферы. (Макс Фрай "Лабиринты Ехо")
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Медь писал(а):
о колясках.
1963 год. с коляской моя мама. ну и я там) старое фото видно плохо.
Здорово! Моя мама вспомнила, что слышала мнение о том, что все "вредные газы" скапливаются внизу и из-за этого коляски "выросли".
"Coca-Cola - продукт Прекрасной эпохи.
Напиток «Кока-кола» был изобретён в Атланте (штат Джорджия, США) 8 мая 1886 года. Его изобрёл фармацевт Джон Стит Пембертон, бывший офицер американской Армии конфедерации. Название для нового напитка придумал бухгалтер Пембертона Фрэнк Робинсон, который, также владея каллиграфией, и написал слова «Coca-Cola» красивыми фигурными буквами, до сих пор являющимися логотипом напитка.
Получившийся напиток был запатентован как лекарственное средство «от любых нервных расстройств» и начал продаваться через автомат в крупнейшей городской аптеке Джекоба в Атланте.
Сначала напиток ежедневно покупали в среднем лишь 9 человек. Выручка с продаж в течение первого года составила всего 50 долларов. Интересно, что на производство кока-колы было затрачено 70 долларов, то есть в первый год напиток был убыточным. Но постепенно популярность кока-колы возрастала, и прибыли от её продажи тоже. В 1888 году Пембертон продал права на выпуск напитка. А в 1892 году бизнесмен Аса Григгс Кэндлер, обладавший правами на «Кока-колу», основал компанию «The Coca-Cola Company», которая занимается производством кока-колы и поныне.
В 1902 году с оборотом в $120 тысяч, кока-кола стала самым известным напитком в США.
С тех пор популярность напитка возрастала в геометрической прогрессии. И уже через пятьдесят лет после изобретения, кока-кола стала для американцев чем-то вроде национальной иконы. С 1894 года кока-кола продавалась в бутылках, а с 1955 года в банках." https://vk.com/wall-76934067_3907?hash= ... 9f0d160aca
Джон Стит Пембертон, изобретатель Coca-Cola.
_________________ Время от времени следует говорить глупости, это способствует созданию теплой дружеской атмосферы. (Макс Фрай "Лабиринты Ехо")
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Fenton, (США) - семейная фирма Фентон, находившаяся в Вильямстауне, в Западной Вирджинии, начала с росписи посуды других производителей в 1905 году. С 1907 г. они начали производить свою собственную линию изделий из стекла. https://vk.com/wall-82157249_2293?hash= ... c9ccebb625
_________________ Время от времени следует говорить глупости, это способствует созданию теплой дружеской атмосферы. (Макс Фрай "Лабиринты Ехо")
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Плюшевый мишка.
В 1902 году президент США Теодор Рузвельт пощадил на охоте американского чёрного медведя, загнанного охотничьей командой с собаками, полузабитого и привязанного к дереву (иве). Рузвельта пригласили отстрелить добычу. Он отказался сделать это сам, мотивируя тем, что это «неспортивно», но распорядился медведя пристрелить, дабы прекратить его мучения. История попала в газетные карикатуры, но со временем была адаптирована по конъюнктурным соображениям, и медведь превратился в маленького симпатичного медвежонка (как в «Вашингтон пост» от 16 ноября 1902 г.). Детали истории со временем размылись, осталась главная — Тедди (прозвище Рузвельта) отказался стрелять в медвежонка.
Одна из карикатур с уменьшенным до медвежонка масштабом попалась на глаза жене Морриса Мичтома, эмигранта из России (настоящее имя — Михаил Мишим), владельца магазина игрушек. Она и сшила первого медвежонка, похожего на медведя из карикатуры. Он был установлен на витрине магазина и назван «Медвежонок Тедди», в честь президента Рузвельта. Новая игрушка вызвала у покупателей небывалый интерес и вскоре, получив согласие Рузвельта на использование его имени, Мичтом основал компанию Ideal Toy Company, занимавшуюся выпуском игрушечных медвежат. И хотя успех медвежат был колоссальным, Мичтому он не принес богатства. Он допустил серьёзную ошибку — не запатентовал новую игрушку и её название. Вскоре появилось множество компаний, выпускающих похожих медвежат и пользующихся его идеей.
По другой версии, первый медвежонок был изготовлен Маргаритой Штайф по идее её племянника Ричарда, спроектировавшего первого плюшевого медведя с подвижными лапами в 1902 году. В 1903 году на выставке игрушек в Лейпциге один американец заказал сразу 3000 экземпляров, а на выставке в Сент-Луис в 1904 году было продано уже 12 000 медведей, за что Маргарита и Ричард получили золотую медаль.
Первая книга о приключениях плюшевого мишки была написана в 1907 в США писательницей Элис Склотт. Всего за время его существования по всему миру вышло около 400 книг различных авторов, в которых главным героем был плюшевый мишка. Одна из самых известных — это сказка английского писателя Александра Милна «Винни-Пух», впервые изданная в 1926 году. Первая песенка о плюшевом мишке Тедди (The Teddy Bear Two Step) появилась в 1909 году в США. После этого на эту тему было создано более 80 песен. Первый мультфильм о плюшевом мишке снят в 1909 году.
Сейчас в мире насчитывается около двадцати музеев, посвященных плюшевым медведям, и несколько десятков тысяч коллекционеров этой игрушки. Специально для них выпускаются ограниченные партии плюшевых мишек, например фирмы Steiff, Dean’s, Merrythought или уникальные мишки современных художников-теддистов, выполненные в единственном экземпляре. Аукцион Christie периодически проводит торги, на которые выставляются только плюшевые мишки. Самый дорогой мишка Тедди — игрушка из мохера, сделанная в 1929 году. Она была продана за 90 тыс. долларов США.
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Украшения с резным лунным камнем. Существует легенда о том, что на поверхности лунного камня можно увидеть маленькое белое пятно, которое увеличивается на растущую Луну, сияет в полнолуние и уменьшается на убывающую Луну. Считается что в полнолуние лунный камень обретает всю мощь Луны, а в период новолуния или убывающей луны те или иные его магические свойства усиливаются или, наоборот, ослабевают. https://vk.com/wall-4648906_15631?hash= ... ea0d4af247
1. GOLD, PLIQUE-À-JOUR ENAMEL, CARVED MOONSTONE, PEARL & DIAMOND PENDANT-BROOCH, LOUIS AUCOC, FRANCE, CIRCA 1900.
2. The oval moonstone cameo depicting an idealised portrait bust of Mary Queen of Scots, within a pierced gold frame of ropetwist and beaded decoration, with green enamel inverted heart motifs and black enamel dots, maker’s mark CG (Carlo Giuliano).
3. A late 19th century moonstone cameo and diamond brooch. 4. Divine French Carved Moonstone Brooch - Carved Moonstone Set In Silver Topped 18K Yellow Gold With 15 Natural Sapphires and 30 Rose Cut Diamonds. circa 1890.
5. Art Nouveau 18kt Gold, подвес с резным лунным камнем и демантоидом гранатом.
6. Старинная брошь с резным лунным камнем и бриллиантами с мотивом Зелёного Человека, American c.1900.
7. Art Nouveau Paul Liénard brooch - c. 1905 - Moonstone, diamond, pearl and enamel. 8. A moonstone, sapphire and diamond pendant necklace, circa 1915.
Траурное вечернее платье из чёрного крепа с вышивкой бисером, бусинами и стеклярусом. США, около 1908 года. Собрание The Smith College Historic Costume Collection. https://vk.com/wall-1179772_15042?hash= ... 0e28abd86c
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Winslow Homer Работы 1873-1877.
The Four Leaf Clover (Клевер с четырьмя листочками), 1873.
"Лунный свет", 1874.
Winslow Homer (American, 1836–1910) Boys in a Pasture (Мальчики на пастбище), 1874. Oil on canvas, 15 7/8 x 22 7/8 in (40.32 x 58.1 cm). Museum of Fine Arts, Boston, Boston, Massachusetts.
Homework (1874).
Fresh Eggs (Свежие яйца), 1874.
The Trysting Place (Место встречи), 1875.
Twilight at Leeds (Сумерки в Лидсе), 1876.
Song of the Lark (Песня жаворонка), 1876, oil on canvas. Chrysler Museum of Art.
Сборщицы хлопка. 1876.
Blackboard, 1877.
Женщина и слон, 1877. Акварель.
"The New Novel" (Новый роман), 1877.
Two Guides (Два проводника), 1877.
Autumn, 1877.
_________________ Время от времени следует говорить глупости, это способствует созданию теплой дружеской атмосферы. (Макс Фрай "Лабиринты Ехо")
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Из истории униформы прислуги XIX - начала ХХ века.
Классическая, всем известная униформа горничных, состоящая из скромного закрытого платья с длинными рукавами, белого фартука и наколки на причёске из белой ткани или кружева, сформировалась только в XIX веке.
Простые платья прислуги, единственными украшениями которых были белые воротнички и фартуки, резко контрастировали с нарядами господ. Служанку не возможно было принять за члена семьи именно благодаря специфической одежде. В XVIII веке и в предшествующие периоды строго регламентированной формы одежды для женской прислуги не существовало. Часто служанки носили или собственную одежду, сшитую на более чем скормные средства, или донашивали платья с "барского плеча", вышедшие из моды, чем-либо испорченные или просто надоевшие состоятельным дамам.
Служанки из богатых домов меняли платья в течение дня: до обеда полагалось светлое, в послеобеденное время - тёмное, часто чёрное платье. В одежде прислуги не допускались такие "формообразующие" каркасные элементы как кринолин или турнюр, необходимые для модного силуэта, однако, на фотографиях и иллюстрациях 19 - начала 20 века заметно, что форма рукавов, покрой лифа и часто форма юбки соответствовала господствующей моде.
Если в доме было много прислуги, обязанности распределялись. Старшая горничная выполняла личные поручения хозяйки, младшие горничные занимались уборкой комнат и выполняли разнообразную работу по дому. Но часто все обязанности ложились на плечи одной единственной служанки...
Такие образы запечатлены, к примеру, во французской литературе конца XIX - начала ХХ века. В семитомной эпопее Марселя Пруста "В поисках утраченного времени" фигурирует служанка Франсуаза, которая выполняла всю домашнюю работу: убиралась, закупала продукты, готовила, стирала, следила за детьми... В помощницах у неё была только судомойка. Франсуаза за долгие годы службы стала настоящим членом семьи, господа особенно восхищались её кулинарным искусством, однако, когда принимали гостей, ей было запрещено показываться на глаза. В серии романов о Клодине французской писательницы Сидони Габриэль Колетт прослеживается трогательная история служанки Мели, которая так же выполняла все домашние обязанности. Изначально она поступила на службу как кормилица и осталась в семье как незаменимая помощница: горничная, кухарка, няня... Мели работала до глубокой старости и её воспитанница была привзана к ней, как к родственнице.
Образы служанок встречаются в жанровой живописи. Девушек в униформе горничных можно увидеть на полотнах таких художников, как Charles Léon Cardon, George Lambert, Franck Antoine Bail и других. https://vk.com/wall-1179772_5151?hash=6 ... a3e748c29a
1. Charles Léon Cardon, Master with flowers and a maid, 1880. 2. Кабинетная фотография конца XIX века.
5. Кабинетная фотография, 1894-96 гг.
7. George Lambert. The maid. 8. Платье и фартук горничной. 1865 год. Manchester City Galleries.
9. Платье и фартук кухарки. Великобритания, 1905 год. Manchester City Galleries. 10. Платье горничной. Великобритания, 1907 год. Manchester City Galleries.
_________________ Время от времени следует говорить глупости, это способствует созданию теплой дружеской атмосферы. (Макс Фрай "Лабиринты Ехо")
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Старинные пазлы
Мало кто знает, что одно из самых популярных настольных развлечений когда-то, в середине XVIII столетия, начинало свою историю как учебное пособие. Доподлинно узнать, кто изначально придумал эту головоломку, невозможно, но официально патент принадлежит англичанину Джону Спилсбери, члену Королевского географического общества. Он наклеивал гравюры географических карт на тонкие панели из кедрового дерева, затем разрезал на маленькие кусочки и предлагал своим ученикам восстановить картинку. Таким образом ученики запоминали расположение стран, островов и заливов. Такие учебные пособия стоили недёшево, т.к. изготовлялись из ценной древесины, но всё равно быстро завоевали популярность.
Учебным пособием пазлы оставались ещё долго. Лишь к концу XIX века, когда пазлы начали производить из картона, они превратились в доступное развлечение. Тогда же они, наконец, обрели цвет – раньше использовались только черно-белые гравюры. Теперь можно было собирать не только географические карты и таблицы по истории, но и пейзажи, картины на исторические и библейские сюжеты и портреты знаменитостей.
Однако «в промышленных масштабах» производство пазлов начинается в начале XX века на фабрике американцев братьев Паркер. Именно их пазлы впервые получили удобные и прочные «замочки»-сцепления. В Америке времён Сухого закона пазлы достигают пика популярности: организуются целые чемпионаты по сборке больших картин, составленных из нескольких тысяч кусочков.
В царскую Россию пазлы (которые в то время называли «пузелями») привозили из-за рубежа, в основном из Англии, и позволить их себе могли только хорошо обеспеченные люди. Первые русские пазлы создал художник П.Вдовичев, заведовавший собственной мастерской детских игр в Санкт-Петербурге. Первым из русских «пузелей» считается «Жатва» (1830 г.) из 30 кусочков.
Зарегистрирован: 31 мар 2014, 00:19 Сообщения: 3818 Откуда: Екатеринбург
Немецкая фарфоровая кукла, изображающая Буффало Билла (1890 г.)
Известность Буффало Биллу принесли устраиваемые им популярные зрелища «Дикий Запад», воссоздающие картины из быта индейцев и ковбоев (военные танцы, родео, состязания в стрельбе и т. п.). К участию в этих шоу Буффало Билл привлёк множество настоящих ковбоев и индейцев (среди которых был легендарный вождь Сидящий Бык, художник и оратор Пинающий Медведь, Летящее Облако, Скалистый Медведь, Спит Стоя, Длинный Волк. С представлениями «Дикого Запада» Буффало Билл объездил всю Америку, а также посещал Европу в 1880—1900-е гг., создав в массовой культуре устойчивые классические образы. В январе 1872 г. Буффало Билл принимал великого князя Алексея Александровича на королевской охоте во время его визита в Америку. Известен убийством нескольких тысяч бизонов в период их массового истребления в США и одного индейца — шайена Жёлтая Рука. (Википедия) https://vk.com/wall-70547958_1313?hash= ... 121ab77c48
_________________ Время от времени следует говорить глупости, это способствует созданию теплой дружеской атмосферы. (Макс Фрай "Лабиринты Ехо")
Вход
Регистрация
FAQ
Поиск
[url=http://radikal.ru]
