"Венский модерн. Josef Maria Auchenstaller Один из лучших австрийских художников и дизайнеров конца 19 - начала 20 вв., незаслуженно забытый почти на сто лет. Он был живописцем, делал эскизы ювелирных изделий, рисовал афиши и иллюстрации. Художник создал многие элементы и мотивы, которые были использованы потом в зрелом ар нуво и составили единый стиль венского модерна. Начиная с 1895 года, он разрабатывал дизайн ювелирных украшений в стиле модерн для компании Georg Adam Scheid, принадлежащей отцу жены. Серебро, эмаль, роспись." https://new.vk.com/wall-4648906_23937
1 Perfume, 1898/1900, manufactured by Georg Adam Scheid, Vienna, graphic designed by Joseph Maria Auchentaller, silver, glass and enamel. 2 Cigarette Case, 1898/1900, manufactured by Georg Adam Scheid, Vienna, graphic designed by Joseph Maria Auchentaller, 900 silver and enamel. (* думаю, что и без перевода понятно что это)
3 Pillbox (*коробочка для пилюль), 1898/1900, manufactured by Georg Adam Scheid, Vienna, graphic designed by Joseph Maria Auchentaller, silver and enamel. 4 Pillbox, c. 1900, manufactured by Georg Adam Scheid, Vienna, graphic designed by Joseph Maria Auchentaller, silver and enamel. 5 Art Nouveau cigarette case, circa 1900, graphic designed by Joseph Maria Auchentaller. Made by G. A. Scheid.
6 Georg Adam Scheid cigarette case, graphic by Josef Maria Auchentaller, Austrian, ca.1900. Silver enamel. 7 Self-Portrait, 1922 (Grado, Italy), by Josef Maria Auchenstaller (Austria, 1865-1949).
Автор:
agatha [ 25 июл 2016, 23:37 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Церковь Ам-Штайнхоф.
В 1904 году в пригороде Вены (сейчас это городской район Пенцинг) было решено построить крупнейшую и наиболее современную на тот момент психиатрическую больницу Европы. Как известно, в начале прошлого века австрийская столица славилась своими новаторскими разработками в области лечения душевных расстройств.
Согласно замыслу, архитектором проекта был выбран знаменитый в то время мэтр стиля модерн, называемого в Австрии стилем Сецессион, Отто Вагнер (Otto Koloman Wagner). Больница Ам Штайнхоф стала чем-то большим, нежели обычное медицинское учреждение — кроме всего прочего, это был еще и признанный шедевр архитектуры. Помимо больничных корпусов, Отто Вагнер построил и церковь Ам-Штайнхоф (она же церковь Св. Леопольда), которая ныне считается одним из выдающихся культовых зданий в стиле модерн. Годы строительства церкви — 1904—1907. В целом, территория госпиталя (Otto-Wagner-Spital) была застроена в 1906—1910-е годы.
Здесь применены фирменные приемы Отто Вагнера: зелень и золото, необыкновенное сочетание бирюзового цвета с позолотой, а также использование в декоре кованых элементов орнамента, что является изюминкой подлинно вагнеровского стиля в архитектуре. Фасад облицован двухсантиметровыми плитами каррарского мрамора на медных гвоздях. Купол одет медными же пластинами. Потолок под главным куполом украшен символами четырех евангелистов, витражи — образами святых, над алтарем изображено восхождение души на небо. Церковь посвящена покровителю Австрии — св. Леопольду (башни при входе украшают статуи св. Леопольда и св. Северина). По краям, на двух башнях Ам Штайнхоф, сидят ангелы, которые больше напоминают моделей, чем канонических возвышенных существ. Для того времени такая интерпретация была вызовом.Святой Леопольд сидит на колокольне и держит в руках копию церкви Св. Леопольда. На колокольне копии также сидит Св. Леопольд и тоже держит в руках еще более миниатюрную копию здания... Художественное оформление церкви выполнено Коломаном Мозером (витражи и мозаики) и Рихардом Лукашем, а автор скульптур — Отмар Шимковиц. Церковь расположена на огромной территории больницы, в сени сосновых деревьев, среди луговых трав, в цветах каштана, сирени и в атмосфере их прекрасных ароматов. Церковь построена на вершине холма, на высоте 310 метров над уровнем моря, при этом в нарушение канона ориентирована по оси с севера на юг. Это нарушение было вызвано заботой о людях: витражные фасады по сторонам позволяют солнечному свету круглогодично проникать в помещение и в течение всего светового дня делать интерьер более светлым и чистым. Церковь рассчитана на 800 молящихся. Интерьер устроен с учетом того, что здешние прихожане — психиатрические больные: все углы внутри церкви закруглены, алтарь физически отделен от главного зала, даже кресты, о которые могут пораниться больные люди, не стоят открыто. Скамьи для верующих были первоначально спроектированы раздельно для различных категорий больных. Доступ в храм также раздельный для мужчин и женщин, при этом предусмотрены особые служебные выходы для эвакуации больных. Исповедальни, в отличие от обычных церквей, относительно открытые. Вместо святой чаши с водой у входа создан небольшой фонтанчик с постоянно струящимися потоками воды. Ам Штайнхоф отличается от традиционной церкви во всем — имея отдельный статус, она не принадлежит Венской епархии. Сегодня церковь является одним из самых ярких и впечатляющих строений мира. В годы Второй Мировой в венскую психиатрическую больницу для опытов свозили тех, кто был признан бесполезным для нового общества (душевнобольных, инвалидов, алкоголиков и их родственников). Оригинальные же витражи были сняты во время Второй Мировой и сейчас находятся где-то в Чехии, но в 1950 году на их место установили копии. Церковь была вновь открыта после реставрации в октябре 2006 года. После ремонта купол церкви, который виден издалека, вновь приобрел историческую позолоту. Платный доступ (экскурсии) посетителей разрешен только по субботам; службы, закрытые для посторонней публики, проводятся по воскресеньям. Сегодня больница Отто Вагнера — непривычно открытое заведение. Вход на территорию свободный. В актовом зале больницы проходят концерты-спектакли, на которые приходят (бесплатно) как зрители со стороны, так и пациенты.
Коломан Мозер (нем. Koloman Moser, известен также как Коло Мозер, 30 марта 1868 — 18 октября 1918, Вена) — австрийский художник и график, один из основателей Венского сецессиона. Известен также как дизайнер различных предметов: графических работ, включая почтовые марки, витражей, керамики, стекла, мебели. Биография
Отец художника, Йозеф Мозер, был директором гимназии. После окончания школы Коломан Мозер, не сообщив об этом родителям, в 1885 году выдержал вступительный экзамен в Академию изобразительных искусств в Вене. Обучался там в классах Франца Румплера (1886—1889), Кристиана Грипенкерля (1889—1890) и Матиаса фон Тренквальда (1890—1893). После смерти отца в 1888 году Мозер вынужден был финансировать своё образование самостоятельно, для чего выполнил множество иллюстраций в журналы. В 1892—1893 годах по рекомендации Тренквальда Мозер был учителем рисования детей эрцгерцога Карла Людвига в замке Вартхольц в Райхенау-ан-дер-Ракс.
С 1892-го по 1897 год Мозер был членом художественного объединения Зибенер-Клуб (нем. Siebener-Club), предшественника Венского сецессиона. В 1893—1895 годах он учился у Франца фон Мача, а в 1897 году стал одних из основателей Венского сецессиона. Для журнала Сецессиона Ver Sacrum он создал примерно 140 иллюстраций. Осенью 1897 года Коломан Мозер совершил путешествие через Мюнхен, Нюрнберг и Бамберг в Лейпциг, Дрезден и Прагу.
В 1890-е годы Мозер много занимался прикладным искусством, на него оказало большое влияние творчество шотландских модернистов Чарльза Ренни Макинтоша и Маргарет Макдональд Макинтош, а также английское Движение искусств и ремёсел. В 1899 году он совершил ещё одно путешествие в Прагу, Дрезден и Берлин; в 1900 году — на Всемирную выставку в Париж через Мюнхен и Страсбург, в 1901 году — снова в Богемию и Мюнхен. В 1902 году переехал в новое ателье по адресу Штайнфельдгассе, 19, обставив его мебелью, созданной по его собственным проектам. В том же году он совершил путешествие в Италию. В 1902 году он создал вместе с художником Йозефом Хоффманом и предпринимателем Фрицем Верндорфером[de] предприятие «Венские мастерские» (нем. Wiener Werkstätte) для производства промышленного дизайна по примеру Движения искусств и ремёсел. Летом 1903 года Мозер через Мюнхен поехал в Берн, где встретился со швейцарскими художниками Фердинандом Ходлером, оказавшим большое влияние на его творчество, и Куно Амье; затем в Базель, Париж, Брюгге, Схевенинген, Антверпен, Любек и Гамбург. В 1904 году он снова посетил Италию, а в сентябре того же года — Берлин, где участвовал в первой выставке Wiener Werkstätte. Мемориальная доска на квартире Мозера на Ландштрассер Хауптштрассе 138
В 1905 году Коломан Мозер вместе с Густавом Климтом и художниками из окружения последнего вышел из Венского сецессиона, а 1 июля женился на дочери промышленника Дите Маутнер, после чего переехал в квартиру на Ландштрассер Хауптштрассе 138. Там он жил до своей смерти. На этом доме сейчас висит мемориальная доска. В 1906 году в семье родился старший сын Карл. В 1907 году Коломан Мозер вышел из Wiener Werkstätte из-за разногласий с Верндорфером, и стал уделять больше времени живописи. В 1909 году родился его второй сын Дитрих.
После 1907 года Мозер регулярно принимал участие в выставках. Так, в 1908 году он участвовал в выставке в Вене, организованной группой Климта, в 1909 — в международных выставках в Вене и Дюссельдорфе. В 1911 году прошла его персональная выставка в галерее Митке в Вене, в 1912 году он участвовал в крупной выставке в Дрездене. Затем он выставлялся на Первой международной выставке Сецессиона в Риме, затем в Дюссельдорфе и Манхайме, в 1916 году — на Венской выставке в Берлине.
Коломан Мозер умер в 1918 году от рака горла и похоронен на Хитцингском кладбище в Вене. В 1969 году в его честь был назван переулок в Вене (Kolo-Moser-Gasse), а в 1989 году были выпущены монеты номиналом в 500 шиллингов с его портретом. Изображен на австрийской почтовой марке 1968 года.
Творчество
Коломан Мозер — один из наиболее значительных представителей австрийского, и, в частности, венского искусства начала XX века, один из наиболее значимых представителей югендстиля. На раннем этапе его стиль испытал влияние импрессионизма, позднее творчество Мозера находилось под сильным влиянием Фердинанда Ходлера, с которым Мозер лично встречался дважды. Кроме живописи, Мозер получил большую известность как художественный дизайнер и представитель декоративно-прикладного искусства.
Самое большое художественное собрание Коломана Мозера находится в Музее Леопольда в Вене.
1 Коломан Мозер. 2 Иллюстрация для венского модного журнала.
3 A decorative stain in red and green.
4 Весеннее утро.
5 Ранняя весна. Иллюстрация к поэме Rainer Maria Rilke.
6 Венера в гроте (1915). Музей Леопольда, Вена.
7 Танцовщица.
8 Cover design for Meggendorfer leaves.
9 A modern Tantalus. Illustration for 'Meggendorfer leaves'.
10 The sketch of the round window art.
11 Poster for Fromme's Calendar.
12 Happy editing. Illustration with self-portrait.
Автор:
agatha [ 27 июл 2016, 23:23 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Раз уж в предыдущей статье упомянаются Макинтоши и английское Движение искусств и ремёсел, то выложу потихоньку скопившиеся у меня подборки предшественников модерна и шотландских модернистов. Начну с прерафаэлитов.
Из Википедии:
Прерафаэли́ты (англ. Pre-Raphaelites) — направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.
Название «прерафаэлиты» должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини. Самыми видными членами прерафаэлитского движения были поэт и живописец Данте Габриэль Россетти, живописцы Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле, Мэдокс Браун, Эдвард Бёрн-Джонс, Уильям Моррис, Артур Хьюз, Уолтер Крейн, Джон Уильям Уотерхаус.
Первым этапом развития прерафаэлитизма было возникновение так называемого «Братства прерафаэлитов», состоявшего первоначально из семи «братьев»: Джона Эверетта Милле, Холмана Ханта, Данте Габриэля Россетти, его младшего брата Майкла Россетти, Томаса Вулнера, Фредерика Стивенса и Джеймса Коллинсона.
История Братства начинается в 1848 году, когда на выставке Королевской академии художеств познакомились студенты Академии — Холман Хант и Данте Габриэль Россетти, ранее видевший работы Ханта и восхищавшийся ими. Хант помогает Россетти закончить картину «Юность Девы Марии» (англ. Girlhood of Mary Virgin, 1848—49), которая была выставлена в 1849 году, и он же знакомит Россетти с Джоном Эвереттом Милле, юным гением, поступившим в Академию в возрасте 11-и лет. Они не просто стали друзьями, но обнаружили, что разделяют взгляды друг друга на современное искусство: в частности, они считали, что современная английская живопись зашла в тупик и умирает, и наилучшим способом возродить её будет возвращение к искренности и простоте раннего итальянского искусства (то есть искусства до Рафаэля, которого прерафаэлиты считали основателем академизма).
Так зарождается идея создания секретного общества, названного Братством прерафаэлитов — общества, находящегося в оппозиции по отношению к официальным художественным течениям. В группу с самого начала были приглашены также Джеймс Коллинсон (студент Академии и жених Кристины Россетти), скульптор и поэт Томас Вулнер, молодой девятнадцатилетний художник и впоследствии критик Фредерик Стивенс и младший брат Россетти Уильям Россетти, который по стопам старшего брата поступил в художественную школу, но особенного призвания к искусству не проявлял и, в конце концов, стал известным художественным критиком и писателем. Мэдокс Браун был близок немецким назарейцам, поэтому он, разделяя идеи Братства, отказался присоединиться к группе.
На картине Россетти «Юность Девы Марии» впервые появляются три условные буквы P. R. B. (англ. Pre-Raphaelite Brotherhood), этими же инициалами были отмечены «Изабелла» Миллеса и «Риенци» (англ. Rienzi) Ханта. Члены Братства также создали свой собственный журнал, под названием «Росток», хотя он просуществовал лишь с января по апрель 1850 года. Его редактором стал Уильям Майкл Россетти (брат Данте Габриэля Россетти).
Да́нте Габриэ́ль Россе́тти, англ. Dante Gabriel Rossetti (12 мая 1828 — 9 апреля 1882) — английский поэт, переводчик, иллюстратор и художник.
1 Автопортрет, 1847 2 Данте Габриэль Россетти.
Данте Габриэль Россетти родился в мелкобуржуазной интеллигентской семье. Его отец Габриэль Россетти, карбонарий, бежавший в 1821 году из Италии, стал профессором итальянского языка в Кингс-колледж, его матерью была Фрэнсис Полидори. В 1850 Россетти опубликовал своё первое стихотворение «Блаженная дева» (англ. The blessed damozel), навеянное «Вороном» Эдгара По. Большинство других стихотворений Россетти относится к 1860—1870-м гг.; они были изданы под общим заглавием «Ballads and sonnets» (Баллады и сонеты) в 1881. Сестра Габриэла, Кристина Россетти, также была известной поэтессой.
В 1848 году, на выставке Королевской Академии художеств, Россетти знакомится с Уильямом Холменом Хантом, Хант помогает Россетти закончить картину «Детство Девы Марии», которая была выставлена в 1849 году, и он же знакомит Россетти с Дж. Э. Милле. Вместе они основывают Братство прерафаэлитов. Хант, Милле и Россетти сознательно бросили вызов общепринятым взглядам; они создали свой манифест и опубликовали его в собственном издании «Росток». Впоследствии Россетти отходит от прерафаэлитизма.
С 1854 по 1862 год он также преподавал рисунок и живопись в первом в Англии образовательном заведении для низших классов общества. При этом оказался превосходным преподавателем, и студенты его боготворили.
«Юность Девы Марии», Д. Г. Россетти. 1848—1849 годы, галерея Тейт, Лондон.
Огромное влияние на его жизнь и творчество также оказали знакомство, женитьба и последующая смерть (по одной из версий — самоубийство) жены, поэтессы Элизабет Сиддал (англ. Elizabeth (Lizzie) Siddal).
Когда они познакомились, Лиззи уже была больна туберкулёзом. Она была его ученицей, моделью и возлюбленной. Россетти сделал множество зарисовок с Элизабет, некоторые из них потом послужили эскизами для его картин. Они прожили вместе почти десять лет, но поженились только 23 мая 1860 года. После рождения в мае 1861 года мёртвого ребенка её здоровье окончательно пришло в упадок. Она начала принимать в больших количествах лауданум.
Меланхоличная и больная туберкулёзом, Лиззи умерла через два года после женитьбы (11.02.1862) от передозировки лауданума, спиртовой настойки опиума. Ей посвящено одно из лучших полотен Россетти — «Беатриче благословенная» (Beata Beatrix, 1864—1870). Беатриче изображена сидящей, она пребывает в полусне, похожем на смерть, в то время как птица, вестник Смерти, кладет ей на ладони цветок мака.
Первые заказы мецената и коллекционера предметов искусства Фредерика Ричардса Лейлэнда были у Данте Габриэля Россетти и Джеймса Мак-Нейл Уистлера в период с 1864 по 1867 года. Лейлэнд собирал предметы искусства эпохи Возрождения, а также из прерафаэлитов Вистлера и Альберта Мур.
Россетти в приступе горя, терзаемый чувством вины, что отдавал слишком много времени работе, похоронил вместе с Элизабет рукописи с большим количеством своих поэм. В 1870 году он добился разрешения на эксгумацию трупа и достал стихи, чтобы опубликовать их в своём первом собрании сочинений. Сборник появился в 1870 году.
В 1871 году Россетти снова влюбился. Это была жена его друга Уильяма Морриса. Они стали любовниками, и Джейн много позировала Россетти.
Со временем образ жизни поэта становится замкнутым, и его видели лишь самые близкие друзья. Поздние годы Россетти отмечены все более болезненным настроением, он стал склонным к алкоголю и хлоралгидрату, жил жизнью затворника.
В июне 1872 года Россетти предпринял попытку самоубийства, выпив целую бутылку настойки опиума. Он выжил, но начал страдать манией преследования и какое-то время считался безумным. Несмотря на это, Россетти продолжал работать и писать, у него было много последователей как в художественном искусстве, так и в поэзии.
В 1879 году Россетти написал портрет одного из своих покровителей, мецената и коллекционера предметов искусств Фредерика Ричардса Лейлэнда.
С 1881 года он начал страдать галлюцинациями и приступами паралича. Его перевезли на морской курорт Берчингтон-он-Си и оставили на попечение сиделки. Там он и умер 9 апреля 1882 года.
1 Прозерпина (1874), галерея Тейт, Лондон. Модель - Джейн Моррис. 2 Один из многочисленных портретов Джейн Моррис. «Сон наяву», 1880, Музей Виктории и Альберта, Лондон.
Наиболее известны картины Россетти позднего периода. Их основными чертами являются эстетизм, стилизация форм, эротизм, культ красоты и художественного гения. Практически во всех этих работах присутствует одна и та же модель — возлюбленная Россетти Джейн Бёрден, супруга Уильяма Морриса. С ухудшением душевного здоровья Россетти увеличивается его зависимость от Джейн, он был одержим ею и посвятил ей огромное количество полотен, обессмертив её имя так же, как и имя Элизабет Сиддал. Среди самых известных его работ — «Дневная греза», «Прозерпина» (1877). Кроме того, он много работал как иллюстратор и оформитель книг, выполнял (сотрудничая с У. Моррисом) эскизы для витражей и панно, обращался к фотографии, монументально-декоративной живописи.
В 1857 г. Россетти вместе с другими мастерами (в числе которых был и Моррис) расписал стены одного из новых зданий Оксфорда сценами из книги «Смерть Артура» Томаса Мэлори. Под влиянием этой работы Моррис написал полотно «Королева Гиневра», изобразив в роли жены короля Артура свою будущую супругу Джейн Бёрден. Моррис и Россетти много раз рисовали эту женщину, находя в ней черты романтической средневековой красоты, которой оба так восхищались. Известны также другие модели Россетти — Фанни Корнфорт, отношения с которой длились на протяжении многих лет, Алекса Уайлдинг.
В 1852 году Россетти посетил выставку фотографий. В последующие годы он использовал фотографии в качестве ландшафтного фона или как посмертные портреты. Он часто сам фотографировал свои картины, а однажды даже расписал красками фотографию. Его увлечение нашло выход в серии фотографий Джейн Моррис, сделанных в доме Россетти в Челси в июле 1865 года. Сам фотограф неизвестен, но каждая фотография несет на себе отпечаток художественного вдохновения Данте Габриэля, который сам усаживал модель.
«Видение Фьяметты» (модель Мария Спартали Стиллман) , 1878.
"Вероника Веронезе" (1874). Музей искусств Делавэра, Уилмингтон.
Россетти отрицает общественную функцию литературы, признавая за искусством одну эстетическую ценность. Его поэзия пропитана мистико-эротическим содержанием, отталкивается от позитивизма, идеализирует прошлое, эстетизирует католицизм. Россетти отказывается от всякой социально-политической проблематики. Игнорируя революционно-чартистскую и социал-реформистскую поэзию 1830—50-х гг., он ищет для себя образцы у романтиков типа Китса и Кольриджа. Характерными чертами поэзии Россетти являются: описательность (тщательная вырисовка деталей) при общей мистической настроенности, вычурность синтаксических конструкций (сказуемое у него всегда предшествует подлежащему, противореча правилам английского строя речи); установка на напевность, пристрастие к аллитерациям и рефрену. У него мы встречаем (то, что потом использует Оскар Уайльд) описание драгоценных камней и металлов, красок, запахов, условную экзотику. Единственным произведением Россетти на современную тему является стихотворение «Jenny», где эстетизируется продажная любовь и находит своё выражение «культ греха».
Современник Россетти Уолтер Патер так оценивал его поэтическое творчество:
«В те дни, когда в Англии поэтическая оригинальность, как казалось, получила самое широкое распространение, явился некий новый поэт с построением и мелодикой стиха, словарем и интонацией неповторимо своеобразными, однако очевидно отказавшийся от любых формальных ухищрений, призванных привлечь внимание к автору: его интонация воспринималась скорее как свидетельство достоверности живой естественной речи, а сама эта речь представлялась совершенно непринужденным выражением всего того поистине чудесного, что поэт реально увидел и почувствовал».
Лучшими из баллад Россетти считаются «Воды Страттона», «Трагедия короля» (англ. King’s tragedy), «Сестра Елена» (Sister Helen), «Посох и ладанка» (The staff and scrip) и «Последняя исповедь» (A last confession). Неоспоримы тонкая мелодика, техническое совершенство его стиха. Наибольший успех Россетти имел в эпоху символизма, в частности, в России.
Автор:
agatha [ 28 июл 2016, 19:15 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Джон Уи́льям Уо́терхаус (англ. John William Waterhouse[4] 6 апреля 1849 — 10 февраля 1917) — английский художник, творчество которого относят к позднейшей стадии прерафаэлитизма. Известен своими женскими образами, которые заимствовал из мифологии и литературы.
Автопортрет.
Жизнь
Родился в Риме, в семье художников. Позднее они переехали в Лондон, где Уотерхаус прожил всю оставшуюся жизнь. Поначалу живописному мастерству его обучал отец, в 1870 году юноша поступил в Королевскую Академию художеств.
В ранних работах художника чувствуется влияние Альма-Тадема и Фредерика Лейтона. В 1874 году, в возрасте двадцати пяти лет, представил на выставке картину «Сон и его сводный брат Смерть», которая была хорошо встречена критикой и впоследствии выставлялась практически каждый год, вплоть до смерти художника.
В 1883 году Уотерхаус женился на художнице Эстер Кенуорти, чьи картины также появлялись на выставках Королевской Академии художеств. У них было двое детей, которые рано умерли, но, несмотря на это, брак был счастливым.
В 1895 году был избран членом Королевской академии. Художник умер от рака в 1917 году. Похоронен на лондонском кладбище Кенсал Грин.
Изображен на британской почтовой марке 1992 года.
Модели для произведений искусства
Однако своей непреходящей популярностью художник обязан более всего очарованию его задумчивых моделей считается, что при написании полотна «Леди из Шалот» моделью была жена художника.
В 1908-1914 годах Уотерхаус создает ряд картин, основанных на литературных и мифологических сюжетах ("Миранда", "Тристан и Изольда", "Психея", "Персефона" и другие). В этих картинах художник пишет свою любимую модель, недавно идентифицированную исследователями творчества Уотерхауса, Кеном и Кэти Бейкр, как мисс Мюриэл Фостер. Очень немного известно о частной жизни Уотерхауса - только несколько писем сохранилось до нашего времени и, собственно, много лет персоналии его моделей оставались тайной. Из воспоминаний современников также известно, что Мэри Ллойд, модель шедевра лорда Лейтона "Пылающий июнь", позировала и для Уотерхауса.
Творчество
Одной из самых известных картин Уотерхауса считается «Леди из Шалот», посвященная Элейне из Астолата (она же Лилейная дева) — девушке, умершей от неразделённой любви к рыцарю Ланселоту, персонажу из легенд о короле Артуре и героине поэмы Теннисона «Волшебница Шалот». Уотерхаус создал три варианта картины: в 1888, 1896 и 1916 годах.
Другая героиня художника — Офелия. На первой картине (1889) художник показывает её лежащей на лугу, затем, на картине 1894 года — перед смертью, сидящей у берега озера. На полотне 1910 года Офелия стоит на берегу ручья, придерживаясь за дерево, в готовности сделать последний шаг в воду.
В июне 2006 года картина «Святая Цецилия» была продана на аукционе «Кристис» фонду Ллойда Веббера за 6,6 млн. фунтов стерлингов.
«Улисс и сирены», 1891 (Национальная галерея Виктории, Мельбурн).
«Цирцея предлагает чашу Улиссу», 1891.
«La Belle Dame sans Merci», 1893.
«Сирена», ок. 1900.
«Хрустальный шар», 1902.
«Борей», 1903
«Нарцисс и Эхо», 1903.
«Срывайте розы поскорей», 1908, 1909. «Срывайте розы поскорей» (англ. Gather Ye Rosebuds While Ye May) — картина английского художника Джона Уильяма Уотерхауса, созданная в 1909 году (точная датировка была неизвестна до недавнего времени). Это вторая и более известная версия картины. Первая, с тем же названием, была создана в 1908 году и находится в частной коллекции.
На картине изображены прекрасные девушки, которые собирают цветы на широком лугу. Название заимствовано из поэмы XVII века «Девственницам: спешите наверстать упущенное», автором которой является Роберт Геррик. Поэт, прославляя радости молодости и весны, советует отбросить скромность и скорее надевать подвенечный наряд, потому что молодость быстротечна и всё «ближе миг заката». « Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. »
Буквально «Gather Ye Rosebuds While Ye May» можно перевести, как «Срывайте розовые бутоны, пока можете»: « Gather ye rosebuds while ye may, Old Time is still a-flying; And this same flower that smiles today Tomorrow will be dying. »
На аукционе Сотбис в апреле 2007 года картина была оценена на 2,5 млн долларов, хотя продана так и не была.
«Миранда — „Буря“», 1916.
Миранда — героиня пьесы Уильяма Шекспира «Буря».
Миранда — наивная 15-летняя девочка, единственная дочь герцога Просперо. Она и её отец стали отшельниками на острове по вине её дяди Антонио, который хотел занять престол. Миранда живет на необитаемом острове с 3-х лет. Однажды, из-за бури их земляки, неаполитанцы, среди которых был и молодой принц Фердинанд, потерпели кораблекрушение и тоже оказались на этом острове. Герцог Просперо, который является магом, посылает Ариэля, духа, который ему служит, за Фердинандом и организует дело так, что принц и Миранда влюбляются друг в друга. Приготовления к свадьбе и стали причиной возвращения герцога и Миранды к цивилизации.
Влияние персонажа
В честь героини пьесы были названы некоторые объекты и вымышленные люди:
Миранда — самый близкий к Урану и наименьший из пяти больших спутников. Миранда — персонаж романа «Коллекционер», написанного Джоном Фаулзом. Образы героев романа напоминают Миранду и Калибана из пьесы. Миранда — язык программирования. Miranda IM — программа мгновенного обмена сообщениями.
Источники: Википедия и интернет.
Автор:
agatha [ 29 июл 2016, 09:07 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
"Художественное" или "эстетическое платье" — феномен моды второй половины XIX века. Фасон появился в середине XIX века, он был связан с искусством прерафаэлитов и платьями свободного покроя, в которых позировали натурщицы.
Реформированное платье напоминало средневековые формы, оно предполагало отсутствие корсета, широкие рукава с буфами (особенно в 1880-90-е гг). Выразительность костюма достигалась драпировками и элементами декора. Особенно популярными такие платья были в богемных кругах в последней четверти XIX века. https://new.vk.com/wall-1179772_24837
Эстетическое платье в котором Mrs. Herbert Roberts, Lady Clwyd изображена на портрете, написанном George Clausen, 1894 From the V&A.
Закрытый показ в Королевской Академии. Уильям Пауэл Фрит. 1883. Справа и слева девушки одеты в эстетические платья
Reform dress ca. 1890-95 From the De Young Museum.
Reform dress, Koloman Moser, ca. 1900.
Автор:
Mirra [ 29 июл 2016, 19:25 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Мне в свое время так нравился Альма-Тадема. В галерее Tate увидела его "Любимое занятие", даже открыточку там прикупила, и пошло-поехало. Распечатала на цветном принтере кучу его картин, воткнула их в паспарту и услаждала себя и сотрудников (бедняжек) на работе.))) До сих пор висят. Выцвели уже конечно, но что-то еще проступает, видно.))
Автор:
agatha [ 30 июл 2016, 00:28 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Mirra писал(а):
Мне в свое время так нравился Альма-Тадема.
Здорово, что Вы его упомянули . Потому что я с его творчеством не знакома . Но роясь в прерафаэлитах, где-то встречала это имя. Надо бы и его запостить.
Mirra писал(а):
и пошло-поехало
Мне тоже картины понравились, те, что пока посмотрела навеяли очень романтическое настроение: Помпеи, Рим, Дафнис и Хлоя, Древняя Греция... А я когда-то была очарована (да и сейчас их работы мне нравятся) прерафаэлитами, собенно Россетти. Обожаю "Обман Мерлина" Э.К.Бёрн-Джонса. Возможно ещё и потому, что эта картина помещена на обложку романа "Обладать" Антонии Байет, от которого я долго не могла отойти - так он меня затянул. Да и мифы о рыцарях Круглого стола настраивают на романтический лад.
Как это ни забавно, но в данный момент я читаю "Смерть героя" Олдингтона, который смачно и саркастически прохаживается и по викторианству, и по прерафаэлитам .
Автор:
agatha [ 30 июл 2016, 00:46 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Уильям Моррис (англ. William Morris; 24 марта 1834, Уолтемстоу — 3 октября 1896) — английский поэт, прозаик, художник, издатель, социалист. Крупнейший представитель второго поколения «прерафаэлитов», неофициальный лидер Движения искусств и ремёсел.
Родился в обеспеченной семье. Учился в Мальборском и Экзетерском колледжах (последний в составе Оксфордского университета). Там познакомился и подружился с Бёрн-Джонсом. Молодых людей объединила любовь к средневековью и интерес к движению трактарианцев. В 1855 году Моррис и Бёрн-Джонс совершили путешествие по Франции. В январе 1856 года начал работу в бюро неоготического архитектора Джорджа Эдмунда Стрита. Летом 1856 года познакомился с Россетти, которого Моррис и Бёрн-Джонс считали «главной фигурой прерафаэлитского движения». Россетти дал согласие на работу в созданном Моррисом журнале Oxford and Cambridge Magazine, продолжавшем дело журнала прерафаэлитов «Росток». Моррис публиковал в нём свои поэтические произведения и статьи по теории декоративных искусств. Сам журнал просуществовал недолго (вышло двенадцать номеров), но сотрудничество с Россетти продолжалось. Увлечение Морриса легендами о короле Артуре вдохновило его на создание одного из самых удачных литературных проектов прерафаэлитов — сборник «Защита Гвиневеры и другие стихи», вышедший в 1858 году.
В 1859 году женился на Джейн Бёрден. Моррис познакомился с Джейн в пору работы группы прерафаэлитов над фресками конференц-зала (ныне библиотека) Оксфордского союза: Россетти пригласил Джейн и её сестру Элизабет на работу в качестве моделей. Джейн происходила из простой семьи и не получила образования, однако после замужества занялась изучением языков, брала уроки музыки. Она отличалась замечательной красотой, много позировала Россетти. С 1869 года Джейн Моррис и Россетти стали близки, вероятно она была его любовницей, но мужа не оставила: супруги жили вместе до смерти Морриса.
Красный дом
В начале 1860-х годов Моррис был поглощён строительством и оформлением Красного дома (Red House) в Бексли-Хис для своей семьи и созданием фирмы по производству декоративных предметов. Вместе с тем он отходит от станковой живописи: последняя его картина датирована 1862 годом, а единственная законченная — «Прекрасная Изольда», написана с Джейн Бёрден в 1858 году. Красный дом стал воплощением идеи о соединении высокого искусства с повседневной жизнью. Он был построен по проекту Филиппа Спикмена Уэбба с участием самого Морриса. Своё название получил из-за нетрадиционного для того времени внешнего вида: наружные кирпичные стены дома не были оштукатурены. Над оформлением интерьеров работали Бёрн-Джонс, Россетти, Элизабет Сиддал и сам Моррис с женой.
Arts & Crafts — английское художественное движение викторианской эпохи, участники которого занимались ручной выработкой предметов декоративно-прикладного искусства, стремясь к сближению искусства и ремесла. По убеждению лидера движения - поэта, художника и мыслителя Уильяма Морриса и других прерафаэлитов, массовое производство приводит к деградации как создателя, так и потребителя товаров. Сторонники движения «Искусств и ремесел» в продолжение средневековых ремесленных традиций образовывали гильдии и общества, каждое с собственным стилем, специализацией и лидерами. Ядро движения составляли художники, архитекторы, писатели, дизайнеры, ремесленники. Вскоре движение завоевало признание в Европе и США. В Скандинавии и Центральной Европе его влияние привело к возрождению национальных стилей, в Америке идеалы движения «Искусств и ремесел» воплотились в стиле миссии, или стиле «Золотого дуба». Движение «Искусств и ремесел» оказало большое влияние на развитие современной эстетики в изобразительных искусствах, его последователями была предложена концепция влияния искусства на жизнь общества, кроме того, оно стало предтечей модерна. https://new.vk.com/wall-82157249_2004
Автор:
agatha [ 31 июл 2016, 16:05 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Thomas Edwin Mostyn родился в Ливерпуле в 1864 году и вырос в Манчестере. Thomas Mostyn, сын художника Edwin Mostyn, учился в Манчестерской Академии изящных искусств. Его первая местная выставка была в 1880 году . Многие из его ранних работ, были под сильным влиянием анти-викторианских настроений его учителя, сэра Hubert von Herkomer, в чьей школе он учился с 1893 года. В этих работах Mostyn изображал нищету рабочего класса в реалистическом стиле. В конце 1890-х он также экспериментирует с религиозными образами. В 1918 году, после Первой мировой войны, Mostyn переехал в Девон. Оставив реализм, Mostyn начал рисовать ландшафты, идеализацию природы, природу и красоту. В 1920-х Изобразительное Общество Лондона, провело ряд Персональных выставок Томаса. Умер он в 1930 году. http://www.liveinternet.ru/users/lara_r ... 330404729/ http://kolybanov.livejournal.com/6383863.html
Автор:
agatha [ 01 авг 2016, 16:01 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
В последней четверти XIX века в Европе возникает стиль нео-ренессанс. Немного о нем.
Высшее общество Европы второй половины ХIХ века ассоциировало свое время с эпохой Возрождения: небывалый рост науки и техники, расцвет искусства, развитие экономики, производства и политических связей. Для поддержания этой «преемственности» устраивались тематические костюмированные балы, к которым специально шились наряды и создавались соответствующие украшения.
Активное развитие туризма позволило большому числу иностранцев познакомиться с наследием Ренессанса. Особенный интерес вызывала Италия, где бесчисленные палаццо и базилики хранили в себе коллекции предметов искусства далекой эпохи - скульптуры, живопись, декоративное искусство, в том числе ювелирные изделия.
Повсеместные свидетельства о былом величии и высокой культуре вызывали большой интерес у путешественников и вдохновляли художников, в том числе ювелиров, которые начали создавать украшения в стиле нео-ренессанса. Мастера имели огромное количество источников вдохновения и идей: они могли обратиться к сохранившимся украшениям эпохи Ренессанса, к изображениям орнаментов и самих украшений в книгах XV– XVI веков, а также к живописи.
Характерной техникой, применяемой при создании украшений в стиле нео-ренессанс, была эмаль разных видов: basse-taille (прозрачная), champlevé (выемчатая), cloisonné (перегородчатая), email en ronde bosse (эмаль по рельефу). Некоторые изделия могли включать сразу несколько видов эмали, что свидетельствовало о высочайшем уровне мастерства ювелира. Использовалась также живописная эмаль, в этой технике иногда выполнялись миниатюрные портреты, но чаще различные растительные мотивы, например, геральдические лилии, а также изогнутые линии и другие мелкие детали орнамента.
1 Браслет в нео-ренессансном стиле с сапфирами, рубинами, изумрудами и бриллиантами. 1880-е.
Келмскотт Манор - летний особняк Уильяма Морриса в графстве Оксфордшир. Дом расположен недалеко от Темзы и часто окрестности его оказываются затоплены. Как и Красный дом недалеко от Лондона, Келмскотт Манор пронизан духом искусства прерафаэлитов.
Сам Уильям Моррис, знаменитый поэт, искусный мастер и социалист, описал усадьбу Келмскотт как «рай земной… и что за сад! Вблизи, если спуститься к реке, находится навес для лодок – и все под руками». Моррису очень нравился дом с остроконечной крышей и сельские угодья, доходившие до заливных лугов. Он был его прибежищем с 1871 года до смерти в 1896 году. Простой сад в стиле «Искусства и ремесла» был инспирирован садами, ограждёнными решётками для вьющихся растений, в виде иллюминированной [лицевой] рукописи: «Четыре маленьких квадратных сада, образующих вместе большой квадрат; каждый из более мелких квадратов опоясан плетнем с густо растущими вдоль него розами», – так описала его Джорджиана Берн-Джонс. Моррис считал его идеальным: старые каменные стены, плетень, прямолинейные дорожки, плодовые деревья, тисовый топиарий и изгороди вокруг отдельных «участков». Каменная дорожка с обыкновенными розовыми розами вдоль нее, разместившимися на коротко подстриженном газоне, ведет от дверцы в стене к парадному крыльцу, прикрытому розами и жимолостью. На севере и западе от дома находятся тисовые шпалерники, низкие изгороди из самшита, фруктовые сады и бордюры, засаженные простыми старомодными цветами, характерными для приусадебных садов. Растения и птицы окружающей сельской местности инспирировали текстильный и обойный дизайн, который экспонируется в усадьбе Келмскотт. Лесная земляника, появляющаяся в классическом текстиле Морриса «Похититель земляники», до сих пор растет на кухонном дворе, в то время как ниже по течению реки можно увидеть деревья, которые он нарисовал для «Ивовых ветвей» – тканного и обойного дизайна, который до сих пор украшает многие английские гостиные. https://new.vk.com/wall-109834548_230
Автор:
agatha [ 02 авг 2016, 22:29 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Джон Рёскин (также Ра́скин, англ. John Ruskin; 8 февраля 1819, Лондон — 20 января 1900, Брентвуд) — английский писатель, художник, теоретик искусства, литературный критик и поэт; член Арундельского общества. Оказал большое влияние на развитие искусствознания и эстетики второй половины XIX — начала XX века. (Из Википедии)
Джон Рёскин родился 8 февраля 1819 года в семье богатого шотландского торговца хересом Д. Дж. Рёскина. Дед, Джон Томас Рёскин, был коммерсантом, торговал ситцем. В семье царила атмосфера религиозного благочестия, оказавшая значительное влияние на последующие взгляды писателя. Еще в юности много путешествовал, причем дневники путешествий обязательно включали заметки о геологических образованиях в ландшафте посещаемых стран.
Поступил в Оксфордский университет, и впоследствии сам читал там курс искусствоведения. Став лектором, он настаивал на необходимости изучения геологии и биологии будущими пейзажистами, а также на введении практики научного рисования: «В погожие дни я посвящаю немного времени кропотливому изучению природы; при непогоде я за основу беру лист или растение и рисую их. Это неминуемо ведет меня к выяснению их ботанических названий».
Среди его работ наиболее известны «Лекции об искусстве» (англ. Lectures of Art, 1870), «Художественный вымысел: прекрасное и безобразное» (англ. Fiction: Fair and Foul), «Английское искусство» (англ. The Art of England), «Современные художники» (англ. Modern Painters, 1843—1860), а также «Природа готики» (англ. The Nature of Gothic, 1853) знаменитая глава из «Камней Венеции», изданная впоследствии Уильямом Моррисом отдельной книгой. Всего Рёскиным написано пятьдесят книг, семьсот статей и лекций.
Рёскин многое сделал для укрепления позиций прерафаэлитов, например, в статье «Прерафаэлитизм» (англ. Pre-Raphaelitism, 1851), а также сильно повлиял на антибуржуазный пафос движения. Кроме того, он «открыл» для современников Уильяма Тёрнера, живописца и графика, мастера пейзажной живописи. В книге «Современные художники» Рёскин защищает Тёрнера от нападок критики и называет его «великим художником, дарование которого я оказался способен оценить при жизни».
Рёскин также провозглашал принцип «верности Природе»: «Не от того ли, что мы любим свои творения больше, чем Его, мы ценим цветные стекла, а не светлые облака… И, выделывая купели и воздвигая колонны в честь Того … мы воображаем, что нам простится постыдное пренебрежение к холмам и потокам, которыми Он наделил наше обиталище — землю». В качестве идеала он выдвигал средневековое искусство, таких мастеров Раннего Возрождения, как Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини.
Неприятие механизации и стандартизации нашло отражение в теории архитектуры Рёскина, акценте на значимости средневекового готического стиля. Рёскин восхвалял готический стиль за его привязанность к природе и естественным формам, а также за стремление осчастливить труженика, которое он, как и приверженцы «готического возрождения» во главе с Уильямом Моррисом видел в готической эстетике. Девятнадцатый век пытается воспроизвести некоторые готические формы (стрельчатые арки и т. п.), чего оказывается недостаточно для выражения истинного готического чувствования, веры и органицизма. Готический стиль воплощает те же моральные ценности что видятся Рёскину в искусстве, — ценности силы, твердости и вдохновения.
Классическая архитектура в противоположность готической архитектуре, выражает моральную бессодержательность, регрессивную стандартизацию. Рёскин связывает классические ценности с современным развитием, в частности с деморализаторскими последствиями промышленной революции, отражающимися в таких феноменах архитектуры, как Хрустальный дворец. Вопросам архитектуры посвящено много работ Рёскина, однако наиболее выразительно свои идеи он отразил в очерке «Естество Готики» («The Nature of Gothic») из второго тома «Камней Венеции» (The Stones of Venice) 1853 года, вышедшем в разгар бушевавшей в Лондоне «Битвы стилей». Помимо апологии готического стиля, он выступал в нём с критикой разделения труда и нерегулируемого рынка, отстаиваемых английской политэкономической школой.
Преподавая рисование в Рабочем колледже Лондона, Джон Рёскин подпал под влияние Томаса Карлейля. В это время его начинают скорее интересовать идеи преобразования общества в целом, а не только теория искусства. В книге «Последнему, что и первому» (Unto This Last, 1860), обозначившей оформленность политико-экономических воззрений Рёскина, он выступает с критикой капитализма с позиций христианского социализма, требуя реформ в образовании, всеобщую занятость и социальную помощь инвалидам и людям преклонного возраста. В 1908 году это произведение Рёскина было переведено на гуджаратский язык индийским политическим деятелем Мохандасом Ганди под названием «Сарводайя».
В 1869 году был избран первым почётным профессором искусств Оксфордского университета, для студентов которого собрал коллекцию произведений искусства в оригиналах и репродукциях. Рёскин также приобрёл большую популярность в среде ремесленников и рабочего класса — особенно в свете основания им выходившего с 1871 по 1886 годы ежемесячного издания «Fors Clavigera» («Письма к рабочим и труженикам Великобритании»). Совместно с Уильямом Моррисом и прерафаэлитами он стремился открыть рабочим индустриальных районов красоту ремесленного производства и победить дегуманизирующие последствия механизированного труда при помощи художественно-промышленных мастерских, где применялся бы только творческий ручной труд. Сам Рёскин возглавил первую такую мастерскую, носящую название Гильдия святого Георга.
В 1848 году Рёскин женился на Эффи Грей. Брак оказался неудачным, супруги разъехались и в 1854 году получили развод, а в 1855 году Эффи вышла замуж за художника Джона Эверетта Милле. Поводом для развода послужило то, что супруги не вступали в супружеские отношения. Этой истории посвящены канадский фильм «Страсть Джона Рёскина» (англ. The Passion of John Ruskin) и британский фильм «Эффи».
В конце 1850-х — 1860-е годы, в период острого религиозного кризиса, Рёскин пережил страстную влюбленность в девочку, а затем девушку из крайне религиозной протестантской семьи Розу Ла Туш (1848—1875). Он познакомился с ней в 1858 году, через восемь лет сделал предложение и получил окончательный отказ по настоянию её родителей в 1872. Через три года Роза умерла по неизвестной причине. История этой любви не раз упоминается в «Лолите» Набокова.
В 1870-х на этой почве у Рёскина участились приступы психической болезни, в 1885 году он уединился в своем имении Брентвуд в Озерном крае, которое уже не покидал до самой смерти.
Творчество Рёскина оказало значительное влияние на Уильяма Морриса, Оскара Уайльда, Марселя Пруста, Махатму Ганди, а в России — на Льва Толстого. В Новом Свете его идеи пытались воплотить в жизнь сеть утопически-социалистических коммун, включавших «Колонии Раскина» в Теннесси, Флориде, Небраске и Британской Колумбии.
Автор:
agatha [ 03 авг 2016, 12:26 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Раз уж тут упомянуты прерафаэлиты, то размещу и несколько подборок времён викторианской эпохи((1837—1901) — период правления Виктории, королевы Британской империи).
"Книга по рукоделию с образцами. Ирландия, 1833-1837 гг." https://new.vk.com/wall-59245439_194362 В викторианскую эпоху вписывается с натяжкой, но у какой-нибудь женщины того времени вполне могла быть.
Автор:
agatha [ 04 авг 2016, 12:46 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
"Ловец слёз" Викторианской эпохи.
"Ловец слёз" - маленькая стеклянная бутылочка с особым горлышком для сбора слёз. Правители Древней Персии, возвращаясь из военных походов, проверяли "ловцы слёз" своих жён, чтобы увидеть, какая из них больше плакала, и, соответственно, сильнее всех скучала.
В Древнем Риме существовал обычай помещать такие бутылочки, наполненные слезами скорбящих, в могилы, в качестве символа уважения к покойным.
В XIX веке в Викторианской Англии "ловцы слёз" были популярны среди высших слоёв общества. Бутылочки изготавливали из разноцветного стекла и декорировали вычурными серебряными или оловянными накладками. https://new.vk.com/wall-44986529_2893
Автор:
Роза - 22 [ 04 авг 2016, 15:53 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Цитата:
"Ловец слёз" Викторианской эпохи.
Автор:
agatha [ 05 авг 2016, 11:59 ]
Заголовок сообщения:
Re: Ретро и не только
Я тоже, когда об ютом прочитала, подумала: фу, какая пакость! Они (викторианцы) со странностями были товарищи .
"Так уж вышло, что впечатлительные и нежные барышни викторианских времен (и раньше, и позже, но активнее всё-таки в эту эпоху) любили украшать шляпки, сумочки и прочие аксессуары не только эффектными птичьими перьями, но и целыми птичьими чучелами.
Мода на таксидермию затронула даже и ювелирные украшения: крохотные головки экзотических птичек и блестящие надкрылья жуков (которых в рамках моды на Египет - Victorian Egyptian Revival, начавшейся после открытия Суэцкого канала в 1869 году, оформляли под скарабеев) дополняли собой серьги и ожерелья.
"В те годы было модно украшать шляпы и бальные платья прелестными птичками и мушками Южной Америки, бросающимися в глаза своей яркой, сверкающей, как драгоценные камни, окраской. Изготовлением этих украшений и занимались дамы Делобель.
Одна оптовая фирма, получавшая товар прямо с Антильских островов, пересылала им, даже не распаковывая, длинные легкие ящики, из которых, когда снимали крышку, шел запах затхлости и поднималась мышьяковая пыль; внутри блестела груда уже насаженных на булавки мушек, и, тесно прижатые одна к другой, лежали птички с перевязанными тонкой полоской бумаги крылышками. Надо было все это разобрать, расправить крылышки колибри, навести на них глянец, зашить шелковинкой переломанную коралловую лапку, вставить вместо потухших глаз две блестящие жемчужинки, добиться того, чтобы все эти птички и мушки затрепетали на тонкой медной проволоке, обрели присущие им грацию и жизнь.
Мать работала под руководством дочери, так как Дезире, несмотря на свой юный возраст, обладала изысканным вкусом, была изобретательна, как волшебница, и никто лучше ее не умел вставить жемчужные глазки в маленькие головки птичек, расправить их окоченелые крылышки." (Альфонс Доде)
Осталось только добавить, что девушки 18 века, обделенные бровями, делали их имитацию из кусочков мышиных шкурок..."
1 Ожерелье из Британского музея/ 2 Брошь с головкой колибри
1 Платье, в котором в 1888 году Эллен Терри играла леди Макбет. Платье из зеленой шерсти и канители было расшито золотыми нитями и украшено надкрыльями жуков Sternocera aequisignata. 2 John Singer Sargent, Ellen Terry as Lady Macbeth, 1889.
. Потому что я с его творчеством не знакома 
. Но роясь в прерафаэлитах, где-то встречала это имя. Надо бы и его запостить.
.
.
